O ilustrador ourensán Pablo Otero presentou “Contos por teléfono” na súa cidade natal. A libraría infantil e xuvenil Zampacontos, con Ángel Perotti como anfitrión, foi o escenario desta cita cos relatos do mestre e pedagogo italiano Gianni Rodari, un clásico imprescidible en calquera biblioteca familiar ou escolar, con todo o colorido, o simbolismo e a imaxinación que lle impregnou Pablo Otero a esta edición especial do libro, coas ilustracións que acompañan estes relatos breves. Ante un público cercano e curioso, Pablo Otero compartiu algunhas claves das imaxes de contos como “Alicia caediza” ou “O carrusel de Cesenatico”, cuxos orixinais se expoñen no escaparate de Zampacontos, xunto cun chamativo teléfono xigante elaborado en tea de feltro polo propio ilustrador. Esta peculiar intervención artística poderá apreciarse aínda uns días máis no local 21 das Galerías Sol da cidade das Burgas.

(Reportaxe fotográfica: Eugenia Muñoz, de Zampacontos).

A web especializada Fervenzas Literarias vén de publicar unha ampla e interesante entrevista con Martín León Barreto, o autor e ilustrador de “A viaxe de Olaf”, obra gañadora do IV Premio Internacional Compostela de Álbum Ilustrado. As motivacións que deron lugar a este traballo, a técnica artística empregada, ou o simbolismo dos personaxes son algúns dos aspectos que contribúen a dar a coñecer máis e mellor esta obra.

A entrevista coincide coa recente convocatoria do V Premio Internacional Compostela de Álbum Ilustrado, organizado polo Departamento de Educación do Concello de Santiago e Kalandraka. As bases pódense descargar na páxina de inicio da web de Kalandraka, ou na seguinte ligazón ao Blog K: V PREMIO COMPOSTELA DE ÁLBUM ILUSTRADO.

O prazo de presentación dos orixinais remata o 2 de marzo de 2012.

————————–

La web especializada Fervenzas Literarias acaba de publicar una amplia e interesante entrevista con Martín León Barreto, el autor e ilustrador de “El camino de Olaj”, obra ganadora del IV Premio Internacional Compostela de Álbum Ilustrado. Las motivaciones que dieron lugar a este trabajo, la técnica artística utilizada, o el simbolismo de los personajes, son algunos aspectos que contribuyen a dar a conocer más y mejor esta obra.

La entrevista coincide con la reciente convocatoria del V Premio Internacional Compostela de Álbum Ilustrado, que organizan el Departamento de Educación del Ayuntamiento de Santiago y Kalandraka. Las bases de participación se pueden consultar en la página de inicio de la web de Kalandraka, o en el siguiente enlace al Blog K: V PREMIO COMPOSTELA DE ÁLBUM ILUSTRADO.

El plazo de presentación de originales finaliza el 2 de marzo de 2012.

Sempre é unha ledicia, nos últimos anos, atoparse cun premio coas características do Compostela de álbum ilustrado. Un certame internacional que convocan dende hai xa catro anos a editorial pontevedresa Kalandraka e o Concello de Santiago de Compostela. Deixando á marxe todo o que supón como marca a promoción da capital galega nas feiras do libro máis importantes do mundo, ata onde chegan as obras premiadas, para os lectores é un auténtico agasallo ter ano tras ano as que sen dúbida son algunhas das mellores obras en canto a álbum ilustrado se producen. E non só é importante este premio por poder ter en Galicia eses álbums ilustrados, senón porque tamén axuda a descubrir novos valores, e un novo valor é o uruguaio Martín León Barreto, o gañador con “A viaxe de Olaf” do IV premio Compostela de álbum ilustrado. León Barreto, coñecido no eido editorial polo seu labor como deseñador gráfico, dá o salto e introdúcese neste traballo nunha máxica viaxe na que o lector verase transportado por Olaf e os seus fantásticos amigos; unha compañía a modo de bestiario que nos descobre a un ilustrador que dará moito de falar en datas vindeiras.

Fervezas Literarias: A pesares de ser “A viaxe de Olaf” o seu primeiro libro, vostede non é novel no mundo da LIX, xa que ten unha ampla traxectoria no eido do deseño editorial. En que momento decide internarse no apartado creativo?

Martín León Barreto: Sempre quixen entrar no mundo literario, e máis en concreto no álbum ilustrado. Como ben dis, eu veño do mundo do deseño, onde a ilustración ten unha importancia grande; ademais, boa parte do meu traballo está destinado a un público infantil. O que sempre necesitei para dar ese chimpo foi tempo, e poderiamos dicir que en certa medida foi “grazas” á crise económica polo que nace “A viaxe de Olaf”. A crise sacoume outras cousas, pero deume ese tempo necesario para desenvolver este álbum ilustrado; aínda que esa necesidade de facer un traballo deste tipo viñera de tempo atrás. 

FL: Que foi o que máis lle chocou, que temores xorden ao enfrontarse por vez primeira a un reto coma este?

MLB: O meu traballo baséase fundamentalmente en traballos escolares, facendo as ilustracións de portadas e outros traballos para as editoriais. No caso de “A viaxe de Olaf” non tiña a certeza de se quería realmente publicalo. É verdade que quería facelo, pero non o considerei máis alá de editar uns poucos exemplares para agasallar o meu sobriño ou os fillos dos meus amigos. O que si me daba algo de temor era o texto. Eu non podo dicir que xa son escritor polo simple feito de escribir “A viaxe de Olaf”, porque sería irrespectuoso pola miña parte. Eu son ilustrador, teño amigos escritores que escriben moi ben, pero para un público adulto. Nalgunha ocasión falamos de facer algo xuntos destinado a un público infantil, pero nunca pasamos de aí, por iso decidín finalmente facer por min mesmo o texto, xa que ningún dos meus amigos quixo involucrarse. Como veño de dicir, tiven os meus medos porque eu onde me sinto seguro é na ilustración; este é un texto ao que, a pesares de ter moi poucas liñas, deille moitas voltas para encaixar a palabra xusta en cada unha das frases. 

FL: Vostede é uruguaio pero vemos neste álbum influencias dun magnífico ilustrador rioplatense, como é Ayax Barnes.

MLB: No Uruguai hai moi pouco álbum ilustrado, e era moi estraño atopalos cando eu era cativo. Ata a miña casa chegaron algúns e entre eses poucos estaban os de Barnes, que sen dúbida era o mellor ilustrador daquela. Esa escaseza de libros ilustrados fixo que as miñas influencias se reduciran a un número igualmente limitado, polo que si que me recoñezo no traballo tanto de Ayax como doutra xente como [Carlos] Palleiro* ou mesmo no meu propio pai. Esas influencias mantéñense agora, anos despois. Canda novo, un deses libros que chegan á miña era “El pueblo que no quería ser gris”, de Barnes. Era un momento onde en Uruguai se vivía baixo unha ditadura. Este libro enviáronmo desde Suecia e para min era un tesouro, unha cousa que non se podía nin ter, nin dicir que o tiñas. “El pueblo que no quería ser gris” contaba a historia dun rei moi malo que cando ficou sen ordes que dar mandou que todo o pobo pintara as súas casas de cor gris; así o fixeron todos agás un home que pinta a casa de azul, vermello e branco. Cando os soldados van buscalo atópanse con que o seu veciño tamén pinta a súa casa, e o outro veciño, e o outro… Foi ese un libro que me marcou moitísimo.

FL: Sobranceiramente destaca en “A viaxe de Olaf” o gran colorido das súas ilustracións, a gama cromática empregada. Que técnicas utilizou para este álbum ilustrado?

MLB: Gústame ese colorido, que pode lembrarnos a Carlos Palleiro, un uruguaio que vive en México. A nivel de técnica, “A viaxe de Olaf” está feito en dixital. Para min a base de calquera ilustración é a liña. Primeiro fago un debuxo a lapis onde esa liña é fundamental, doulle moitas voltas e reviravoltas ata acadar o que eu quero. As miñas ilustracións non deixan nada ao azar: a liña marca o debuxo e logo co ordenador poño a cor e xogo coas texturas. Se ben os debuxos son moi coloridos, e por suposto que lle dou moita importancia á cor, para min o principal é ese debuxo inicial, o feito a lapis. Fago moitos debuxos pequerrechos e cando me empeza a convencer o resultado vou escaneándoos e facéndoos máis e máis grandes.

FL: A nivel textual si que se inclinou vostede por un tratamento máis clásico. Vemos que aparecen as repeticións, fai uso dunha estrutura acumulativa…

MLB: A pesares de ter varias ideas para o álbum ilustrado que tiña pensado finalmente decidinme por unha estrutura… digamos máis clásica. Seguramente por un certo pudor e temor a crear pola miña parte o texto.

FL: Un Olaf que vive só e aburrido na súa grande casa principia unha viaxe na procura de amigos. Presenta vostede un personaxe sobre o que o lector pode ver reflectido algunhas trazas que nos levan ao Principiño de Saint-Exupéry.

MLB: Eu non estou tan metido no mundo do álbum ilustrado ou da literatura infantil como para ter unha visión moi extensa e xeral de todo o que se fai e ter moitas influencias. As miñas sonche moi pouquiñas e entón van aparecer -irremediable e inconscientemente- todas elas; e a nivel infantil a historia do “Principiño” é un clásico entre os clásicos. Sobre este libro os maiores soen preguntar polo tema da soidade, que é verdade que está aí, que Olaf, que é pequerrechiño, vive só nunha casa moi grande; pero nunha ocasión un cativo preguntoume que por que Olaf tiña esas pernas tan longas. A única resposta que se me ocorreu foi dicirlle que é porque Olaf camiña moito. Máis que o tema da soidade o que realmente paga a pena é o camiño. Como en todas as cousas, non importa se Olaf non ten amigos ao principio e logo tenos ao final, a cerna é o do medio.

FL: Podemos ver en “A viaxe de Olaf” a un peixe coa cola do revés, a un tigre arcoiris… O lector contempla un imaxinativo e espectacular bestiario.

MLB: Eu como ilustrador vexo as cousas máis visual que textualmente. Xamais escribín o texto e posteriormente fixen a recreación visual. Eses animais xorden ou ben polo azar -como o elefante elegante- ou ben xa estaban aí desde antes deste álbum. Teño un amigo que sempre fala de peixes que teñen a cola do revés.

FL: Un dos aspectos máis orixinais deste álbum vémolo na composición das ilustracións, chegando a causar contra o final do libro o asombro do lector, onde vemos unha especie de puzzle con ese bestiario ao que faciamos referencia na pregunta anterior.

MLB: Pode que iso estea vencellado ao meu traballo como deseñador, onde as cousas tenden a se alinear ou a se encaixar. A composición é moi importante e detrás de cada páxina hai moito choio. Eu estudo a disposición, mesmo analizando o lugar que vai ocupar o texto. Nese senso, “A viaxe de Olaf” ten moito de deseño. Neste libro o que hai tamén é moita diversión, gústame sintetizar as cousas de forma xeométrica e que funcione como esa estrutura de puzzle que comentabas.

FL: Despois desta primeira experiencia e con parte do camiño xa aberto tras recibir o galardón do premio Compostela, veremos axiña algunha cousa máis de Martín León Barreto?

MLB: A verdade é que si me gustaría. De feito teño un par de ideas pero son un pouco máis raras que esta “A viaxe de Olaf”, que ten un compoñente máis clásico e circular. O novo contén mensaxes máis complexas que tampouco sei moi ben se encaixarían dentro do que sería a literatura para nenos.

————————————

Siempre es una alegría, en los últimos años, encontrarse con un premio de las características del Compostela de álbum ilustrado. Un certamen internacional que convocan desde hace ya cuatro años la editorial pontevedresa Kalandraka y el Ayuntamiento de Santiago de Compostela. Dejando al margen todo lo que supone como marca la promoción de la capital gallega en las ferias del libro más importantes del mundo, hasta donde llegan las obras premiadas, para los lectores es un auténtico regalo tener año tras año las que sin duda son algunas de las mejores obras en cuanto a álbum ilustrado se producen. Y no solo es importante este premio por poder tener en Galicia esos álbumes ilustrados, sino porque también ayuda a descubrir nuevos valores, y un nuevo valor es el uruguayo Martín León Barreto, el ganador -con “El camino de Olaj”- del IV Premio Compostela de álbum ilustrado. León Barreto, conocido en el ámbito editorial por su labor como diseñador gráfico, da el salto y se introduce en este trabajo en un viaje mágico en el que el lector se verá transportado por Olaf y sus fantásticos amigos; una compañía a modo de bestiario que nos descubre a un ilustrador que dará mucho que hablar en fechas venideras.

Fervenzas Literarias: A pesar de ser “El camino de Olaj” su primer libro, usted no es novel en el mundo de la LIJ, ya que cuenta con una amplia trayectoria en el campo del diseño editorial. ¿En qué momento decide internarse en el apartado creativo?

Martín León Barreto: Siempre quise entrar en el mundo literario, y más en concreto, en el álbum ilustrado. Como bien dices, vengo del mundo del diseño, donde la ilustración tiene un gran importancia; además, buena parte de mi trabajo está destinado al público infantil. Lo que siempre necesité para dar ese salto fue tiempo, y podríamos decir que en cierta medida fue “gracias” a la crisis económica por lo que nace “El camino de Olaj”. La crisis me sacó otras cosas, pero me dio ese tiempo necesario para desarrollar este álbum ilustrado; aunque esa necesidad de hacer un trabajo de este tipo viniera de tiempo atrás.

FL: ¿Qué fue lo que más le chocó, que temores surgen al enfrentarse por primera vez a un reto como éste?

MLB: Mi trabajo se basa fundamentalmente en trabajos escolares, haciendo las ilustraciones de portadas y otros trabajos para las editoriales. En el caso de “El camino de Olaj” no tenía la certeza de si quería realmente publicarlo. Es verdad que quería hacerlo, pero no lo consideré más allá de editar unos pocos ejemplares para regalar a mi sobrino o a los hijos de mis amigos. Lo que sí me daba algo de temor era el texto. No puedo decir que ya soy un escritor por el simple hecho de escribir “El camino de Olaj” porque sería irrespetuoso por mi parte. Soy ilustrador, tengo amigos escritores que escriben muy bien, pero para un público adulto. En alguna ocasión hablamos de hacer algo juntos destinado a un público infantil pero nunca pasamos de ahí. Por eso me decidí finalmente a hacer yo mismo el texto, ya que ninguno de mis amigos quiso involucrarse. Como acabo de decir, tuve mis miedos porque yo donde me siento seguro es en la ilustración; este es un texto que a pesar de tener muy pocas lineas le dí muchas vueltas para poder encajar la palabra justa en cada una de las frases.

FL: Usted es uruguayo pero vemos en este álbum influencias de un magnífico ilustrador rioplatense como es Ayax Barnes.

MLB: En Uruguay hay muy poquito álbum ilustrado, y era muy raro encontrarlos cuando yo era pequeño. Hasta mi casa llegaron algunos, y entre esos pocos que llegaban estaban los de Barnes, quien sin duda era el mejor ilustrador en aquellos tiempos. Esa escasez de libros ilustrados hizo que mis influencias se redujeran a un número igualmente limitado, por lo que si que me reconozco en el trabajo tanto de Ayax como en el de otra gente como [Carlos] Palleiro* o mismo en mi propio padre. Esas influencias se mantienen ahora con el paso de los años. Cuando era chico, uno de esos libros que llegaron a mi casa fue “El pueblo que no quería ser gris”, de Barnes. Era un momento donde en Uruguay se vivía bajo una dictadura. Este libro me lo enviaron desde Suecia y fue para mí como un tesoro, una cosa que no se podía tener, ni decir que lo tenías. “El pueblo que no quería ser gris” cuenta la historia de un rey muy malo que cuando se quedó sin más órdenes que dar, mandó que todo el pueblo pintara sus casas de color gris; así lo hicieron todos, excepto un hombre que la pinta de azul, rojo y blanco. Cuando los soldados van a buscarle, se encuentran con que su vecino también pintó su casa, y el vecino de al lado, y el otro… Ese fue un libro que me marcó muchísimo.

FL: Destaca sobremanera en “El camino de Olaj” el gran colorido de sus ilustraciones, la gama cromática empleada. ¿Qué técnicas utilizó para este álbum ilustrado?

MLB: Me gusta ese colorido, que puede recordarnos a Carlos Palleiro, un uruguayo que vive en México. A nivel de técnica, “El camino de Olaj” está hecho en digital. Para mí, la base de cualquier ilustración es la línea. Primero hago un dibujo a lápiz donde esa línea es fundamental, le doy muchas vueltas hasta conseguir lo que busco. En mis ilustraciones no dejo nada al azar: la línea marca el dibujo y luego con el ordenador pongo el color y juego con las texturas. Si bien los dibujos son muy coloridos, y por supuesto que doy mucha importancia al color, para mí lo principal es ese dibujo primero, el hecho a lápiz. Hago muchos muy pequeñitos y cuando me empieza a convencer el resultado, voy escaneándolos y haciéndolos más y más grandes.

FL: A nivel textual sí que se inclinó usted por un tratamiento más clásico. Vemos que aparecen las repeticiones, hace uso de una estructura acumulativa…

MLB: A pesar de tener varias ideas para el álbum ilustrado que tenía pensado hacer, me decidí finalmente por una estructura, digamos, más clásica. Seguramente por un cierto pudor y temor a crear por mí mismo el texto.

FL: Un Olaf que vive solo y aburrido en su gran casa comienza un viaje en busca de amigos. Presenta usted un personaje sobre el que el lector será capaz de ver reflejadas algunas trazas que le lleven al “Principito” de Saint-Exupéry.

MLB: No estoy lo suficientemente metido en el mundo del álbum ilustrado o de la literatura infantil como para tener una visión muy extensa y general de todo lo que se hace y tener muchas influencias. Las mías son muy poquitas y van a aparecer -irremediable e inconscientemente- todas ellas; y a nivel infantil, la historial del “Principito” es un clásico entre los clásicos. Sobre este libro la gente mayor suele preguntar por el tema de soledad, y es verdad que está ahí, que Olaj, que es pequeñito, vive solo en una casa muy grande; pero en una ocasión un chaval me preguntó que por qué Olaj tenía esas piernas tan largas. La única respuesta que se me ocurrió fue decirle que es porque Olaj camina mucho. Más que el tema de la soledad, lo que realmente merece la pena es el camino. Como en todas las cosas, no importa si Olaj no tiene amigos al principio y luego los tiene al final, la clave es lo del medio.

FL: Podemos ver en “El camino de Olaj” un pez con la cola del revés, un tigre arcoiris… El lector contempla un imaginativo y espectacular bestiario.

MLB: Yo como ilustrador veo las cosas más visual que textualmente. Nunca escribí un texto y posteriormente hice la recreación visual. Esos animales nacen o bien por azar -como el elefante elegante- o bien estaban ahí desde antes de este álbum. Tengo, por ejemplo, un amigo que siempre habla de peces que tienen la cola del revés.

FL: Uno dos aspectos más originales de este álbum lo vemos en la composición de las ilustraciones, llegando a causar hacia el final del libro el asombro del lector, donde vemos una especie de puzzle con ese bestiario al que hacíamos referencia en la pregunta anterior.

MLB: Puede que eso esté ligado a mi trabajo como diseñador, donde las cosas tienden a alinearse o a encajarse. La composición es muy importante y detrás de cada página hay mucho trabajo. Estudio la disposición, incluso analizando el lugar que va a ocupar el texto. En ese sentido, “El camino de Olaj” tiene mucho de diseño. En este libro lo que hay también es mucha diversión, me gusta sintetizar las cosas de forma geométrica y que funcione como esa estructura de puzzle que comentabas.

FL: Tras esta primera experiencia y con parte del camino ya abierto tras recibir el galardón del premio Compostela, “veremos pronto alguna cosa más de Martín León Barreto?

MLB: La verdad es que sí me gustaría. De hecho, tengo un par de ideas pero son un poco más raras que “El camino de Olaj”, que tiene un componente más clásico y circular. El nuevo contiene mensajes más complejos que tampoco sé muy bien si encajarían dentro de lo que sería la literatura para niños.

O artista plástico ourensán Pablo Otero vai presentar mañá venres, 3 de febreiro, a partir das 18:30 horas, na libraría infantil Zampacontos de Ourense, a obra “CONTOS POR TELÉFONO”, da que é ilustrador. Trátase dun libro de relatos breves do mestre e escritor italiano Gianni Rodari, considerado un dos piares da pedagoxía moderna.

“CONTOS POR TELÉFONO”, publicado por Kalandraka nunha edición especial, é un dos referentes mundiais da Literatura Infantil e Xuvenil, no que o autor xoga coa imaxinación, o surrealismo e o sentido do humor. A obra vén de ser elixida, polos lectores da web Fervenzas Literarias, como o mellor libro infantil traducido no ano 2011.

Na presentación, dirixida a público infantil a partir de 6 anos e a público adulto en xeral, Pablo Otero explicará algúns aspectos desta obra pictórica, a través dos relatos de Rodari. As imaxes destacan polo seu valor simbólico, a proliferación de formas e figuras xeométricas, e o gran protagonismo da cor. Cunha estética ‘rodariana’, Pablo Otero mestura onomatopeas, dobres sentidos, caricaturas e refinados códigos visuais, cun vistoso resultado.

Os primeiros compradores do libro serán obsequiados cun deseño artesanal, numerado e asinado polo ilustrador. Para esta ocasión especial, Pablo Otero vai realizar unha pequena intervención artística no escaparate de Zampacontos, con elementos tridimensionais creados expresamente para o libro, e con ilustracións orixinais dos contos.

Pablo Otero (Ourense, 1970) estudou na Facultade de Belas Artes de Pontevedra. Expuxo os seus debuxos, esculturas e pinturas en diversas galerías. Obtivo unha mención de honra no Premio Llibreter por “Mateo”, editado por Kalandraka, onde tamén publicou as ilustracións de “O Príncipe das sombras” e “ABCdiario”. Gañou o 1º Premio de Escultura no I Salón de Arte Xoven de Ourense (1992), o María Casares de Escenografía (1999) e un accésit do Premio Lazarillo.

O narrador Boniface Ofogo (Camerún, 1966) vai impartir unha charla titulada “A importancia da oralidade” este mércores 1 de febreiro, a partir das 17:30 horas, na libraría infantil e xuvenil LIBROS PARA SOÑAR de Vigo (r/ Triunfo, 1). Nesta sesión, que está dirixida a público adulto, especialmente docentes, pais e nais, Boni Ofogo vaise basear na súa experiencia persoal para xustificar a necesidade de achegar os nenos e nenas, dende idade temperá, á tradición oral, como piar da súa formación humana e cultural.

Medrou nunha aldea do interior de Camerún, “onde a transmisión oral era a única maneira de acceder a calquera tipo de información ou coñecemento”. Máis tarde, Boni Ofogo accedería á literatura escrita a través dos seus estudos académicos como doutorado en Filoloxía Hispánica, e da súa traxectoria profesional como mediador sociocultural, se ben a “oralidade primaria” na que se educou segue sendo o “principal punto de referencia” no seu traballo de narrador, faceta á que se adica en exclusiva dende 2005.

“Dende neno fun iniciado polo meu pai na arte da palabra oral”, explica Boni Ofogo, que acudía ás “xuntanzas dos avós”, nas que aprendeu “a escoitar e a manexar a arte da oratoria”. Foi neses encontros onde se lle inculcou a importancia de “venerar as persoas maiores, porque son depositarias dunha sabedoría milenaria”.

Boni Ofogo é autor de dous libros: “Una vida de cuento”, editado polo Ministerio de Educación, e o álbum infantil “O león Kandinga”, publicado por KALANDRAKA, que se basea nun conto tradicional camerunés. Esta última obra, ilustrada por Elisa Arguilé, foi galardoada en 2009 co Premio da Fundación CJ de Cultura (Corea), obtivo unha mención de honra no Premio Città di Bella (Italia) en 2011, e atópase entre as lecturas recomendadas pola Fundação Nacional do Livro Infantil e Juvenil (Brasil).

A charla teórico-práctica de Boni Ofogo complementarase coa narración de proverbios e contos de tradición oral para público adulto, incluido “O león Kandinga”.

Ata o vindeiro 12 de febreiro LIBROS PARA SOÑAR-A Coruña acolle unha ampla mostra de ilustracións, esculturas e libros ilustrados por Óscar Villán. O nome deste artista plástico vai ligado para sempre á historia de KALANDRAKA, xa que en 1999 o libro “O coelliño branco” gañou o 1º Premio Nacional de Ilustración, que se convertía no primeiro galardón da curta traxectoria que, naquel entón, aínda tiña a editorial, fundada o ano anterior. Ata a actualidade, Óscar Villán segue e seguirá vencellado á editorial: ilustrou outros álbums como “A cebra Camila” e “Amora”, o libro de relatos “O Rei Oso Branco e outros contos marabillosos”, a colección “Do berce á lúa” para prelectores, e títulos como “Un becho estraño” na colección infantil de FAKTORÍA K, ademais de dirixir a colección ‘Alfabetos’ de libros de arte. Unha estreita e frutífera relación que agora se pode visualizar nesta mostra na que Óscar Villán expón diversos traballos da súa autoría, tanto relacionados con KALANDRAKA como con outros proxectos editoriais ou particulares.

Na inauguración da exposición, co lema “Un paseo ilustrado I”, a narradora Patricia González e o músico Álex Fente realizaron unha sesión especial de contos e música, cun repertorio baseado exclusivamente nas historias dos libros ilustrados exclusivamente por Óscar Villán. Tamén o escaparate de LIBROS PARA SOÑAR presenta un aspecto diferente, cunha instalación artística inspirada en “O coelliño branco” na que non falta ningún detalle: a casa do coelliño e a figura do protagonista, a horta e mesmo as coles coas que fai o seu caldiño.

———————————————

Hasta el próximo 12 de febrero LIBROS PARA SOÑAR-A Coruña acoge una amplia muestra de ilustraciones, esculturas y libros ilustrados por Óscar Villán. El nombre de este artista plástico va ligado para siempre a la historia de KALANDRAKA, ya que en 1999 el libro “El pequeño conejo blanco” ganó el 1º Premio Nacional de Ilustración, que se convertía en el primer galardón de la corta trayectoria que, por aquel entonces, aún tenía la editorial, fundada el año anterior. Hasta la actualidad, Óscar Villán sigue y seguirá vinculado con la editorial: ilustró otros álbumes como “La cebra Camila” y “La mora”, el libro de relatos “El Rey Oso Blanco”, la colección “De la cuna a la luna” para prelectores, y títulos como “Un bicho extraño” en la colección infantil de FAKTORÍA K, además de dirigir la colección ‘Alfabetos’ de libros de arte. Una estrecha y fructífera relación que ahora se puede visualizar en esta muestra en la que Óscar Villán expone diversos trabajos de su autoría, tanto relacionados con KALANDRAKA como con otros proyectos editoriales o particulares.

En la inauguración de la exposición, con el lema “Un paseo ilustrado I”, la narradora Patricia González y el músico Álex Fente realizaron una sesión especial de cuentos y música, con un repertorio basado exclusivamente en las historias de los libros ilustrados exclusivamente por Óscar Villán. También el escaparate de LIBROS PARA SOÑAR presenta un aspecto diferente, con una instalación artística inspirada en “El pequeño conejo blanco” en la que no falta ningún detalle: la casa del conejo y la figura del protagonista, la huerta e incluso las coles con las que hace su caldito.

Coa voz e co acompañamento musical de Patricia e Álex repasamos as historias que levan o inconfundible estilo de Óscar Villán: axudamos o coelliño branco a expulsar do seu fogar á intrusa da cabra cabresa, puxemos a proba a nosa memoria cantando un conto popular sefardí coa melodía composta por Alberto Barreiro ‘Warren’, e descubrimos que misterioso animal se agochaba nas páxinas dun libro.

———————–

Con la voz y el acompañamiento musical de Patricia y Álex repasamos las historias que llevan el inconfundible estilo de Óscar Villán: ayudamos al conejo blanco a expulsar de su hogar a la intrusa de la cabra cabresa, pusimos a prueba nuestra memoria cantando un cuento popular sefardí con la melodía compuesta por Alberto Barreiro ‘Warren’, y descubrimos qué misterioso animal se escondía en las páginas de un libro.

Óscar Villán adicoulles exemplares dos seus libros aos lectores, con debuxos personalizados. Mesmo Patricia foi partícipe da sesión de autógrafos para recordar así a inauguración da exposición e a súa actuación no contacontos de homenaxe ao ilustrador.

————————-

Óscar Villán dedicó ejemplares de sus libros a los lectores, con dibujos personalizados. Y también Patricia fue partícipe de la sesión de autógrafos para recordar así la inauguración de la exposición y su actuación en el cuentacuentos de homenaje al ilustrador.

Óscar Villán é o ilustrador “invitado” desta tempada en LIBROS PARA SOÑAR, e as súas obras ocupan un lugar destacado nos andeis da libraría e no recuncho de lectura. O seu talento artístico non só se reduce ao traballo en dúas dimensións, senón que tamén se poden admirar pequenas figuras escultóricas relacionadas cos personaxes que crea e debuxa.

———————–

Óscar Villán es el ilustrador “invitado” de esta temporada en LIBROS PARA SOÑAR, y sus obras ocupan un lugar destacado en los estantes de la librería y en el rincón de lectura. Pero su talento artístico no solo se reduce al trabajo en dos dimensiones, sino que también se pueden admirar pequeñas figuras escultóricas relacionadas con los personajes que crea y dibuja.

“Un paseo ilustrado I” pódese visitar ata o 12 de febreiro, en horario comercial, na libraría LIBROS PARA SOÑAR, no número 64 da Avenida de Fisterra, na Coruña. Tralo seu paso por este espazo, a obra de Óscar Villán trasladarase ao sur de Galicia, para expoñerse en LIBROS PARA SOÑAR-Vigo, no número 1 da Rúa Triunfo. Será a partir do 2 de marzo.

—————–

“Un paseo ilustrado I” se puede visitar hasta el 12 de febrero, en horario comercial, en la librería LIBROS PARA SOÑAR-A Coruña, en el número 64 de la Avenida de Fisterra. Tras su paso por este espacio, la obra de Óscar Villán se trasladará al sur de Galicia para exponerse en LIBROS PARA SOÑAR-Vigo, en el número 1 de la Calle Triunfo. Será a partir del 2 de marzo.

“Garavanciño”, “Aquiles o puntiño”, “A verdadeira historia de Carapuchiña”, “Artur”… foron algúns dos contos que Olalla González e Marc Taeger narraron e ilustraron nun interesante e enriquecedor encontro cos alumnos e alumnas do CEIP A Lama. A biblioteca deste centro está de noraboa porque vén de recibir recentemente o 1º Premio no Concurso Nacional de Boas Prácticas na Innovación e Dinamización das Bibliotecas Escolares 2011, organizado polo Ministerio de Educación. Outro dos seus logros, o pasado mes de xuño, foi a obtención do selo Boa Práctica de lectura Leer.es que lle concedeu o Centro Virtual Leer.es pola calidade das súas propostas didácticas encamiñadas ao desenvolvemento das competencias en comunicación lingüística a través do uso da Rede.

“O recanto de Leo” é o blog da biblioteca escolar, o punto de encontro onde a comunidade comparte experiencias docentes, lecturas e actividades. A visita de Olalla González e Marc Taeger enmarcábase no programa de celebracións co gallo do Premio do Ministerio de Educación. Parabéns ao profesorado e ao alumnado do CEIP A Lama, e moitos azos para que continuar na senda da excelencia e da innovación educativa.

—————————–

“Garbancito”, “Aquiles el puntito”, “La verdadera historia de Caperucita”, “Arturo”… fueron algunos de los cuentos que Olalla González y Marc Taeger narraron e ilustraron en un interesante y enriquecedor encuentro con los alumnos y alumnas del CEIP A Lama. La biblioteca de este centro está de enhorabuena porque acaba de recibir recientemente el 1º Premio en el Concurso Nacional de Buenas Prácticas en la Innovación y Dinamización de las Bibliotecas Escolares 2011, organizado por el Ministerio de Educación. Otro de sus logros, el pasado mes de junio, fue la obtención del sello Boa Práctica de lectura Leer.es que le concedió el Centro Virtual Leer.es por la calidad de sus propuestas didácticas encaminadas al desarrollo de competencias en comunicación lingüística a través del uso de la Rede.

“O recanto de Leo” es el blog de la biblioteca escolar, el punto de encuentro donde la comunidad comparte experiencias docentes, lecturas y actividades. La visita de Olalla González y Marc Taeger se enmarcaba en el programa de celebraciones con motivo del Premio del Ministerio de Educación. Felicidades al profesorado y al alumnado del CEIP A Lama, y ánimo para continuar en la senda de la excelencia y la innovación educativa.

A voz de Olalla e os trazos de Marc deleitaron a imaxinación e a mirada dos escolares durante a sesión de contos ilustrados. | La voz de Olalla y los trazos de Marc deleitaron la imaginación y la mirada de los escolares durante la sesión de cuentos ilustrados.

Olalla e Marc adicáronlle exemplares dos seus libros ao Recanto de Leo e felicitaron a biblioteca polas súas merecidas distincións. Antes de despedirse ata unha próxima ocasión, deixaron a súa sinatura no libro de honra. | Olalla y Marc dedicaron ejemplares de sus libros para el Recanto de Leo y felicitaron a la biblioteca por sus merecidas distinciones. Antes de despedirse hasta una próxima ocasión, dejaron su firma en el libro de honor.

Hasta el 31 de enero se puede visitar en la Galería Visions (c/ Igualada, 4) de Barcelona la exposición de ilustraciones “Els mons oblidats” (“Los mundos olvidados”), de Dani Torrent, ilustrador de “Mefi, Sata y Monio”, y autor e ilustrador de “Mi abuelo Carmelo”, editados por KALANDRAKA. Este último título se presentó recientemente en el Museu del Joguet de Catalunya, con la participación de Joan Manel Soldevilla, catedrático de Lengua y Literatura, ensayista, comisario de exposiciones, guionista de proyectos multimedia, y al que une una entrañable relación académica con Dani Torrent, del que fue profesor de Literatura en el instituto donde estudió.

La muestra en Visions invita a “pasear por mundos olvidados, poblados con seres andróginos, tiernos e inquietantes, de belleza sinistra e inocencia llena de secretos; mundos en los que las fronteras se vuelven fluidas y lo que parece simple esconde un sustrato complejo lleno de miedos atávicos y deseos ocultos, un mundo de sugerencia y relatividad, como la realidad justo antes de que uno despierte”. Así presenta la responsable de la galería, Araceli Costales, esta exposición, que se puede visitar de 18:00 a 21:00 horas.

Sobre “Mi abuelo Carmelo”, el blog de literatura infantil Los Cuentos de Bastian dedica esta semana una completa reseña a este álbum, sobre el que también se habló en el Canal Nord TV:

“Vi por primera vez este libro en la librería y me paré delante de él, porque la portada lo dice todo. Un abuelo y un niño pequeño observando las golondrinas volar más allá de las nubes. Los dos con escoba en mano, como una lanza en posición de descanso. El abuelo reposando su mano suave y tiernamente sobre la cabeza del pequeño. El cielo, un enorme sobre repleto de viajes, recuerdos e historias. Desde aquel día, me quedé con aquella imagen. Se dio la casualidad –aunque no creo en ellas– que Joan M. Soldevilla me habló de este libro. Precisamente lo presentaba junto con su autor, Dani Torrent”.

En efecto, la editora de Los Cuentos de Bastian, Silvia Cartañá, se refiere a la magistral presentación que el profesor Soldevilla hizo de “Mi abuelo Carmelo” ante el público infantil y adulto que acompañó al autor e ilustrador en el Museu del Joguet:

“Per on començar a parlar d’aquest llibre? Podria parlar de l’autor i de la seva trajectòria però per fer això cal tenir un coneixement de tots els camps que ha recorregut en Dani Torrent fins a arribar a aquest projecte, cosa per a la qual jo no estic qualificat. Podria parlar de l’autor, un recurs força tradicional quan no es vol parlar del llibre o quan el presentador vol subratllar la seva amistat d’anys amb l’artista per, en el fons, parlar més d’ell mateix, el presentador, que no pas del presentat. No és el cas. De fet, amb en Dani Torrent no som amics en el sentit tradicional del terme, la qual cosa m’empobreix com a persona però em dignifica com a presentador ja que potencia la meva objectivitat. Encara que digui que no sóc amic, però, el cert és que vàrem treballar plegats al llarg d’un parell d’anys del segle passat, quan ell era jove i jo, no tant, però també. Bons anys en què en Dani feia el trajecte Camallera-Figueres, Figueres-Camallera amb tenacitat i confiança en els serveis ferroviaris. Suposo que algú que viatja a diari, que persevera en els seus objectius i que confia amb tanta generositat en la RENFE és algú que està molt preparat per iniciar el sempre complicat camí de l’artista.

Per on començar a parlar del llibre? Havia pensat fer-ho pel dibuix, o iniciar el meu parlament parlant del retrat dels personatges, però em semblava que ambdues aproximacions eren poc practiques perquè el llibre té una coherència tan intensa entre dibuix i i text que iniciar una reflexió sobre el llibre descomposant els seus elements tenia quelcom de dissecció de cadàver que no feia justícia al producte. Mentre em plantejava aquest interrogant, “per on començar?”, mirava i remirava el llibre, i quan deixava de fer-ho, el situava en un racó privilegiat del menjador, un d’aquells petits vòrtex on sempre es condueix la mirada quan estàs assegut al sofà de casa. I mirant el llibre de lluny, potser endormiscat quan començava la informació meteoròlogica, vaig fixar-me en els marges de la portada i llavors vaig trobar la solució. Començaria a parlar del llibre per marges.

Aquest llibre és una carta, i més concretament una carta aèria. Un aerograma, quina paraula més suggerent… És una carta que l’autor envia al seu passat i al seu avi carregada d’emocions i de vivències. El llibre, sorgit d’una experiència autobiogràfica, ens parla de com un nen i el seu avi miraven el cel, com observaven els núvols i les orenetes, com dialogaven amb la natura. I com anys després, mirant el cel i les orenetes, l’autor continua dialogant amb la natura i amb el seu avi, ja desaparegut, a qui envia aquesta carta.

“Mi abuelo Carmelo” és un llibre agosarat perquè ens parla del record i, per damunt de tot, de per què créixer suposa abandonar un món edènic i iniciar un camí on anem perdent les persones estimades. Però a l’hora d’encarar una experiència tan dolorosa, l’autor defuig el dramatisme i ens parla amb tendresa i harmonia; créixer és la nostra gran aventura, sembla dir-nos l’autor, però créixer és també assumir el dolor que anem recollint al llarg de la nostra aventura personal. Per dur a terme aquesta reflexió, en Dani explica una anècdota senzilla, aparentment intranscendent, com és el joc que ell i el seu avi desenvolupaven quan acabava de ploure. Al jardí de casa seva, quan el terra era moll, avi i net agafaven les escombres i dibuixaven al terra, amb l’aigua dels tolls, efímeres creacions que poc després s’evaporaven i desapareixen.

En aquest entreteniment tan innocent s’articula un complex discurs de comunió amb la natura; l’avi llegeix el llenguatge dels núvols i de les orenetes i ensenya al nen com la natura té un llenguatge xifrat que cal entendre i com la única manera de d’entendre’l és a través de la creació artística, gratuïta i efímera que torna a fusionar-se amb l’entorn que ens envolta. L’avi és un mestre, un guia que mostra al petit nen com l’art pot explicar allò que és inefable. Anys després el nen, ja adult, ja artista, crea una peça per explicar-nos a nosaltres, els lectors, una experiència inefable: el record viu del seu avi.

Aquesta mirada lúcida sobre el passat i el seu record, mirada carregada d’originalitat està servida en un dibuix singular on els personatges són sotmesos a una deformació expressionista que no busca la caricatura sinó el subratllat icònic d’alguns elements, especialment uns ulls enormes que semblen voler capturar l’essència de la natura i de l’art. Aquesta mirada intensa i viva és igualment mostrada amb un gust per treballar les composicions des de perspectives arriscades i sorprenents. No ens trobem, però, davant d’un exercici gratuït, un experiment formal, sinó una necessitat de l’artista que se sent obligat a mostrar una mirada nova, una perspectiva nova sobre el seu record per poder capturar el llenguatge xifrat d’aquella vivència.

Aquest discurs gràfic, tan complex i carregat d’emoció on els color càlids sedueixen el lector per la seva coherència cromàtica té el contrapunt necessari en un discurs textual d’una nuesa absoluta. Amb una austeritat extrema, amb la irrupció puntual d’una cançó popular i sempre amb una depuració minimalista treballada amb rigor inexorable, el text equilibra la mirada sobre el passat defugint el sentimentalisme però mostrant els sentiments.

Les orenetes, viatgeres i constants en tot el llibre, sovint metamorfosejades gràcies a la màgia del dibuix en peixos que volen com els ocells són un dels elements recurrents en tot el llibre. Les orenetes i els núvols esdevenen els motius que expliciten el pas del temps, com el jardín que se hará nuevo cada año, que deia Juan Ramón Jiménez; i així com l’avi Carmelo va arribar a saber el llenguatge secret de la natura, el nen Torrent, en aquest llibre, se’ns mostra posseïdor d’aquest secret arcànic que ell explica a través de la creació artística.

Jo no vaig conèixer els meus avis i els meus fills tampoc ho han pogut fer. Per mi, l’experiència de l’avunitat -permeteu-me el cultisme- és quelcom aliè, desconegut. Malgrat això, Mi abuelo Carmelo m’ha fet sentir nostàlgia d’allò que no vaig viure, d’una infància edènica on l’avi encarnava la saviesa però no l’autoritat, l’afecte pur i desinteressat, recíproc i generós.

Com dèiem, el llibre és una carta, però una missiva que alhora s’alimenta de cartes. Tot Mi abuelo Carmelo està acompanyat d’una selecció de cartes reals que, a través del collage, s’incorporen a les composicions grafiques. Cartes reals enviades per en Dani o cartes del propi avi Carmelo, cartes dels anys noranta i cartes dels anys seixanta enviades des de Florència, Mònaco, Algèria, Aranjuez, Turquia, Tunísia o Portugal. Espais mediterranis que empelten de llum tot el llibre, postals i cartes amb els marges blaugranes del correu aèri que viatgen amunt i avall com les orenetes, com els núvols, com els records i com els afectes.

El llibre és una carta a la que jo goso posar-li el segell per, benvolgut públic, enviar-vos-la, encoratjant-vos a que descobriu aquesta meravella”.

—————————————

<<¿Por dónde poder comenzar a hablar de este libro? Podría hablar sobre el autor y su trayectoria, pero para ello sería necesario tener un conocimiento en aquellos campos que Dani Torrent ha recorrido hasta llegar a este proyecto, cosa para la cual no estoy cualificado. Podría hablar del autor, un recurso muy tradicional cuando no se quiere hablar del libro o cuando el presentador quiere remarcar su gran amistad con el artista, y poder así hablar más de si mismo y no tanto del presentado. No es el caso. De hecho, Dani Torrent y yo no somos amigos en el sentido más tradicional de la palabra, la cual cosa me empobrece como persona pero me dignifica como presentador, ya que potencia mi objetividad. Aunque haya dicho que no somos amigos, lo cierto es que trabajamos juntos durante un par de años del siglo pasado, cuando él era joven y yo, no tanto, pero también. Eran buenos años en los que Dani hacía el trayecto diario Camallera-Figueres, Figueres-Camallera con gran tenacidad y confianza en los servicios ferroviarios. Supongo que alguien que viaje a diario, que persevera en sus objetivos y que confía con tanta generosidad en RENFE, es alguien que está muy preparado para iniciar el siempre difícil camino de ser artista.

¿Por dónde empezar a hablar del libro? Había pensado empezar por el dibujo, o iniciar mi parlamento hablando del retrato de los personajes, pero ambas aproximaciones me parecían poco prácticas, ya que el libro tiene una coherencia tan intensa entre dibujo y texto que iniciar una reflexión sobre el libro descomponiendo sus elementos me parecía algo así como la disección de un cadáver, que no hacía nada de justicia al producto. Mientras me planteaba este interrogante, “¿Por dónde comenzar?”, miraba y remiraba el libro, y cuando dejaba de hacerlo, lo situaba en un rincón privilegiado del comedor, uno de aquellos pequeños vórtices a los que se va la mirada cuando estás sentado en el sofá. Y mirando el libro de lejos, quizás adormecido en el momento en que empezaba la información meteorológica, me fijé en los márgenes de la portada y fue entonces cuando encontré la solución. Empezaría a hablar sobre el libro por los márgenes.

Este libro es una carta y más concretamente una carta aérea. Un aerograma, que palabra más sugerente… Es una carta que el autor envía a su pasado y a su abuelo, cargada de emociones y de vivencias. El libro, que surge de una experiencia autobiográfica, nos habla de como un niño y su abuelo miraban el cielo, como observaban las nubes y las golondrinas, como dialogaban con la naturaleza. Y como, años después, mirando el cielo y las golondrinas, el autor continua dialogando con la naturaleza y con su abuelo, ya desaparecido, a quien le envía esta carta.

“Mi abuelo Carmelo” es un libro atrevido porque nos habla del recuerdo y sobretodo, de por qué crecer supone abandonar un mundo edénico e iniciar un camino en el que vamos perdiendo a las personas queridas. Pero a la vez que el autor encara una experiencia tan dolorosa, rehuye del dramatismo y nos habla con ternura y armonía; crecer es nuestra gran aventura, parece decirnos el mismo autor, pero crecer es también asumir el dolor que vamos recogiendo a lo largo de nuestra aventura personal. Para llevar a cabo esta reflexión, Dani explica una anécdota sencilla, aparentemente intrascendente, que es el juego que él y su abuelo realizaban justo cuando acababa de llover. En el jardín de su casa, cuando el suelo estaba aún mojado, abuelo y nieto cogían las escobas y dibujaban, con el agua de los charcos, efímeras creaciones que poco después se evaporaban y desaparecían.

En este entretenimiento tan inocente se articula un complejo discurso de comunión con la naturaleza; el abuelo lee el lenguaje de las nubes y de las golondrinas, y le enseña al niño cómo la naturaleza tiene un lenguaje cifrado que es necesario entender, y cómo la única manera de entenderlo es a través de la creación artística, gratuita y efímera, que vuelve a fusionarse con el entorno que les rodea. El abuelo es un maestro, un guía que muestra al pequeño niño como el arte puede explicar aquello que es inefable. Años después el niño, ya adulto, ya artista, crea una pieza para explicarnos a nosotros, los lectores, una experiencia también inefable: el recuerdo vivo de su abuelo.

Esta mirada lúcida sobre el pasado y su recuerdo, una mirada cargada de originalidad, está servida en un dibujo singular en el que los personajes son sometidos a una deformación expresionista que no busca la caricatura sino el subrayado icónico de algunos elementos, especialmente unos ojos enormes que parecen querer capturar la esencia de la naturaleza y el arte. Esta mirada intensa y viva es fruto de un gusto por trabajar las composiciones desde perspectivas arriesgadas y sorprendentes. Pero no nos encontramos ante un ejercicio gratuito ni un experimento formal, sino ante una necesidad del artista que se siente obligado a mostrar una nueva mirada sobre su recuerdo, para poder capturar así el lenguaje cifrado de aquella vivencia.

Este discurso gráfico, tan complejo y cargado de emociones, en el que los colores cálidos seducen al lector por su coherencia cromática, tiene el contrapunto necesario en el discurso textual, de una desnudez absoluta. Con extrema austeridad, con la irrupción puntual de una canción popular y siempre con una depuración minimalista trabajada con un rigor inexorable, el texto equilibra la mirada sobre el pasado esquivando el sentimentalismo pero mostrando los sentimientos.

Las golondrinas, viajeras, constantes en todo el libro y a veces metamorfoseadas, gracias a la magia del dibujo, en peces que vuelan como pájaros, son uno de los elementos recurrentes en todo el libro. Las golondrinas y las nubes se convierten en motivos que explican el paso del tiempo, como el jardín, que se hará nuevo cada año, tal como decía Juan Ramón Jiménez; y así como el abuelo Carmelo llega a conocer el lenguaje secreto de la naturaleza, el Torrent niño, en el libro, se muestra poseedor de este secreto arcaico que explica a través de la creación artística.

Yo no conocí a mis abuelos y mis hijos tampoco lo han podido hacer. Para mi la experiencia de la abuelidad -permitidme el cultismo- es algo ajeno, desconocido. A pesar de ello, “Mi abuelo Carmelo” me ha hecho sentir nostalgia de algo que ni siquiera he vivido, de una infancia edénica en la que el abuelo encarnaba la sabiduría pero no la autoridad, el afecto puro y desinteresado, recíproco y generoso.

Como decíamos, el libro es una carta, pero una misiva que a la vez se alimenta de cartas. Todo “Mi abuelo Carmelo” está acompañado de una selección de cartas reales que, a través del collage, se incorporan a las composiciones gráficas. Cartas reales enviadas por Dani o cartas del propio abuelo Carmelo, cartas de los años noventa y cartas de los años sesenta enviadas desde Florencia, Mónaco, Argelia, Aranjuez, Turquía, Túnez o Portugal. Espacios mediterráneos que llenan de luz todo el libro; postales y cartas con los márgenes azulgranas del correo aéreo, que viajan arriba y abajo como las golondrinas, como las nubes, como los recuerdos y como los afectos.

El libro es una carta a la que oso ponerle un sello para poder enviárosla y así, estimado público, animaros a que descubráis esta maravilla>>.

(Traducción de Helena García a partir de la intervención de Joan M. Soldevilla en la presentación de “Mi abuelo Carmelo”, de Dani Torrent, en el Museu del Juguet de Catalunya, en Figueres, celebrada en noviembre de 2011).

Joan Manel Soldevilla finalizaba su intervención con un gesto simbólico: tomaba un sello que había dibujado su hija, y lo pegaba en el libro, invitando a todos los presentes a hacerlo llegar a más personas.

…Al hilo de sus palabras, Silvia Cartañá continúa así con su comentario sobre “Mi abuelo Carmelo”:

“…Yo, como Joan M. Soldevilla, tampoco conocí a mis abuelos. Mis hermanos, los mayores, me hablaban constantemente de ellos y recordaban las experiencias que me hubiera gustado vivir y saborear. Con Mi abuelo Carmelo, he logrado vivirlas y he conseguido que esos ojos inmensos, del Dani niño, sean también los míos. Quizás por eso insisto en que mis hijos, que sí tienen aún a todos sus abuelos, jueguen y se diviertan con ellos. Mi suegra a menudo me pregunta muy cortésmente: ¿te ayudo?¿quieres que haga algo? Y yo siempre le respondo: jugar con tus nietos. Recomendaba este libro a partir de 6 años, pero quizás, después de esto, debería recomendarlo para vosotros, los que tuvísteis y también los que no conocísteis abuelo. Disfrutadlo juntos con los niños, para aprender a valorar lo que se tiene, a tiempo. Agradezco la colaboración de Joan M. Soldevilla y su gentileza al compartir su texto para la presentación de este libro, pues nos ha ayudado a querer más este álbum. Con Dani Torrent y este álbum confirmamos de nuevo que las mejores creaciones son las que surgen de la propia experiencia. Un libro para compartir adultos y niños de más de seis años. Un álbum para soñar y recordar”.

La presentación de “Mi abuelo Carmelo” finalizó con un sencillo y original taller infantil, con las cartas como leit-motiv: “¿A quien escribís cartas?”. Se hacía un silencio, que una voz rompía espontáneamente: “…A los Reyes Magos o a Papa Noel!”. “¿Y cómo habláis con las personas que están lejos?”. La respuesta ya no se hacía esperar: “…Pues con Walkie Talkies!”. Así pues, la propuesta consistía en escribir cartas, en secreto, dirigidas a los seres queridos. Y a cada sobre se le adosaba un sello único, diseñado en exclusiva por Dani Torrent.

…Quizás las golondrinas, como sucede en este libro hermoso y entrañable, las hayan transportado en su vuelo hacia las nubes.

Mientras, en el suelo terrenal, la galería Visions de Barcelona acoge durante todo este mes de enero la exposición “Els mons oblidats”, en la que no solo se pueden contemplar ilustraciones de “Mi abuelo Carmelo”, sino también de “Mefi, Sata y Monio”, y otros trabajos del artista.

(Reportaje fotográfico de Helena García).

El Museo de la Electricidad de Lisboa acoge, hasta el próximo 8 de abril, la exposición de la V Bienal Internacional de Ilustración para la Infancia-Ilustrarte 2012. La muestra reúne la obra de 50 artistas plásticos de todo el mundo; de cada uno se pueden admirar tres imágenes, dispuestas en vitrinas, a modo de cajones de unas elegantes mesillas. Entre los ilustradores seleccionados figura André da Loba, con las vanguardistas estampas que ilustran el libro “Bocage: antologia poética”, de FAKTORÍA K. “(In)timidade”, “Flor-esta” y “O poeta” reflejan su particular interpretación, a base de formas y colores sorprendentes, de los versos del “poeta de la respuesta pronta e inolvidable”.

A esta quinta edición de Ilustrarte se presentaron 1.585 artistas plásticos de 65 países: la obra de Valerio Vidali fue la vencedora del certamen, mientras que Simone Rea, Nina Wehrle y Evelyne Laube recibieron menciones honoríficas. Sus trabajos ocupan un lugar preferente en el Museo de la Electricidad, que también exhibe la obra de André da Loba. El horario de visita de la exposición es de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas. También fueron seleccionados André Letria y Pablo Amargo.

Además, durante los meses de enero y febrero, André da Loba es el “Ilustrador invitado” en el blog Cria Cria, de Portugal. En semanas sucesivas, se van publicando imágenes y reflexiones de este joven, pero ya reconocido profesional de las artes plásticas.

—————————————

O Museo da Electricidade de Lisboa acolle, ata o vindeiro 8 de abril, a exposición da V Bienal Internacional de Ilustración para la Infancia-Ilustrarte 2012. A mostra reúne a obra de 50 artistas plásticos de todo o mundo; de cada un pódense admirar tres imaxes, dispostas en vitrinas, a modo de caixóns dunhas mesiñas. Entre os ilustradores seleccionados figura André da Loba, coas vangardistas estampas que ilustran o libro “Bocage: antologia poética”, de FAKTORÍA K. “(In)timidade”, “Flor-esta” e “O poeta” reflicten a súa particular interpretación, a base de formas e colores sorprendentes, dos versos do “poeta da resposta pronta e inesquecible”.

A esta quinta edición de Ilustrarte presentáronse 1.585 artistas plásticos de 65 países: a obra de Valerio Vidali foi a vencedora do certame, mentres que Simone Rea, Nina Wehrle e Evelyne Laube recibiron mencións de honra. Os seus traballos ocupan un lugar preferente no Museo da Electricidade, que tamén exhibe a obra de André da Loba. O horario de visita da exposición é de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas. Tamén foron seleccionados André Letria e Pablo Amargo.

Ademais, durante os meses de xaneiro e febreiro, André da Loba é o “Ilustrador invitado” no blog Cria Cria, de Portugal. En semanas sucesivas, vanse publicar imaxes e reflexións deste xoven, pero xa recoñecido profesional das artes plásticas.

Cria Cria: Cómo y cuándo surgió el diseño en su vida? Cómo y cuándo el diseño comenzó a transformarse en ilustración? Por qué diseña? Siente todavía la misma motivación que cuando comenzó a ilustrar?

André da Loba: La pregunta debería ser “cómo y cuándo el diseño desapareció de vuestras vidas?”. Me acuerdo de comenzar a diseñar con mis amigos (éramos todos buenos); y no sé cuándo o cómo mis amigos fueron dejando de diseñar. Yo debía estar absorvido en lo que estaba haciendo y cuando me di cuenta, ya solo diseñaba yo… y continúo sin saber por qué. Para mí, el diseño fue siempre ilustración; siempre estuvo asociado a palabras. Y como yo nunca fui muy bueno con las palabras, diseñar se convirtió para mí en una forma de decir. Lo bueno de esto es que, con la cantidad de cosas que puedo experimentar a decir con la ilustración, tengo más motivación ahora que cuando comencé a ilustrar.

…En el libro “Bocage: antología poética”, esta ilustración es la puerta de entrada al imaginario del poeta… Por eso, queda aquí también como invitación, citando a otro poeta, Miguel Torga: “Porque ningún árbol explica sus frutos, le gusta que se los coman”.

Cria Cria: Cree que tiene estilo? O cree que tiene un estilo propio? Cree que es “especial”?

André da Loba: Para mí, la palabra “estilo” debería ser eliminada del léxico de los ilustradores por mucho, mucho tiempo. Es un término reductor por reducir (disculpen la redundancia) la ilustración a su sentido más inmediato: lo visual. La ilustración ya no es el diseño con la intención decorativa de las iluminuras medievales, sino un diseño de exploración intelectual. Es más una reflexión que una representación. Hace más de un siglo que el mundo de la ilustración ha producido imágenes desafiantes, inteligentes y sofisticadas que le proponen al lector más dimensiones de las que el texto soporta (o por el cual son soportadas). Evaluar la ilustración y al ilustrador por los colores y formas que usa es como juzgar un libro por la portada. Por eso me parece mas interesante la idea de la “voz propia”. Un concepto que, a mi manera de ver, resume eficazmente el proceso de crecimiento de un ilustrador: “voz propia” propone que cada artista (ilustrador, pintor, poeta, músico…) tiene una manera única de exprimirse. Es tan único en su discurso como su huella dactilar. Cada rasgo, cada curva, cada cicatriz son irrepetibles… Pero encontrar una voz propia requiere sobre todo horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas… y después más horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas de trabajo. Mucha paciencia, dedicación, perseverancia, compromiso…

Eric Carle ilustró su primer gran libro a los 40 años… José Saramago solo comenzó a ver su trabajo reconocido a los 60, como el “Memorial do Convento”… Entre 1960 y 1964 los Beatles tocaron en directo en Hamburgo, en Alemania, cualquier cosa como 1200 veces, y cuando regresaron a Reino Unido eran especiales… Bill Gates, cuando tenía 8 años comenzó a interesarse por la programación Basic y a los 20 fundó Microsoft… Imaginen las horas de programación que escribió en ese intervalo de tiempo… En fin, podíamos estar así infinitamente. Podemos argumentar que todas estas personas tienen talento y son inteligentes de partida. Pero fue el tiempo que invirtieron lo que ayudó a que dieran forma a sus capacidades innatas; sin eso, no valdrían lo que valen hoy. No nos podemos olvidar de los factores históricos y sociales que les ayudaron a crecer. Nadie llega a ningún lado solo… Pero eso es otra historia. Gran rodeo para responder a la pregunta, pero aquí va: no tengo estilo (ni propio, ni prestado) y de especial tengo lo mismo que ustedes, que es mucho! Tanto como voluntad de trabajar. Picasso decía que “cuando me venga la inspiración, que me encuentre trabajando”. Tal vez lo que distingue a alguien especial de alguien normal es el amor que siente por aquello que hace, qué es lo que le motiva para hacerlo durante muchas horas. Deja de ser un trabajo para pasar a ser un modo de vida.

(Fotos de la exposición, cortesía de Nazaré de Sousa).

———————————————-

Cria Cria: Como e cando xurdiu o deseño na súa vida? Como e cando o deseño comezou a transformarse en ilustración? Por que deseña? Sente aínda a mesma motivación que cando comezou a ilustrar?

André da Loba: A pregunta debería ser “como e cando o deseño desapareceu das vosas vidas?”. Lémbrome de comezar a deseñar cos meus amigos (eramos todos bos); e non sei cando ou como os meus amigos foron deixando de deseñar. Eu debía estar absorvido no que estaba facendo e cando me decatei, xa só deseñaba eu… e continúo sen saber por que. Para min, o deseño foi sempre ilustración; sempre estivo asociado a palabras. E como eu nunca fun moi bo coas palabras, deseñar converteuse para min nun xeito de dicir. O bo disto é que, coa cantidade de cousas que podo experimentar a dicir coa ilustración, teño máis motivación agora que cando comecei a ilustrar. No libro “Bocage: antología poética”, esta ilustración é a porta de entrada ao imaxinario do poeta… Por iso, queda aquí tamén como invitación, citando outro poeta, Miguel Torga: “Porque ningunha árbore explica os seus froitos, mais gústalle que llos coman”.

Cria Cria: Cre que ten estilo? Ou cree que ten un estilo propio? Cre que é “especial”?

André da Loba: Para min, a palabra “estilo” debería ser eliminada do léxico dos ilustradores por moito, moito tempo. É un termo redutor por reducir (desculpen a redundancia) a ilustración ao seu sentido máis inmediato: o visual. A ilustración xa non é o deseño coa intención decorativa das iluminuras medievais, senón un deseño de exploración intelectual. É máis unha reflexión que unha representación. Hai máis dun século que o mundo da ilustración produciu imaxes desafiantes, intelixentes e sofisticadas que lle propoñen ao lector máis dimensións das que o texto soporta (ou polo cal son soportadas). Avaliar a ilustración e o ilustrador polas cores e formas que usa é como xulgar un libro pola portada. Por iso me parece máis interesante a idea da “voz propia”. Un concepto que, ao meu de ver, resume eficazmente o proceso de crecemento dun ilustrador: “voz propia” propón que cada artista (ilustrador, pintor, poeta, músico…) ten unha maneira única de exprimirse. É tan único no seu discurso como a súa pegada dactilar. Cada risco, cada curva, cada cicatriz son irrepetibles… Pero atopar unha voz propia requere sobre todo horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas… e logo máis horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas de traballo. Moita pacencia, dedicación, perseverancia, compromiso…

Eric Carle ilustrou o seu primeiro gran libro aos 40 anos… José Saramago só comezó a ver o seu traballo recoñecido aos 60, como o “Memorial do Convento”… Entre 1960 e 1964 os Beatles tocaron en directo en Hamburgo, en Alemaña, calquera cousa como 1200 veces, e cando regresaron a Reino Unido eran especiais… Bill Gates, cando tiña 8 años comezou a interesarse pola programación Basic e aos 20 fundou Microsoft… Imaxinen as horas de programación que escribiu nese intervalo de tempo… En fin, podiamos estar así infinitamente. Podemos argumentar que todas estas persoas teñen talento e son intelixentes de partida. Pero foi o tempo que investiron o que axudou a que deran forma ás súas capacidades innatas; sen iso, non valerían o que valen hoxe. Non podemos esqueder os factores históricos e sociais que lles axudaron a medrar. Ninguén chega a ningures só… Pero iso é outra historia. Gran rodeo para respostar a pregunta, pero aquí vai: non teño estilo (nen propio, nen prestado) e de especial teño o mesmo que vostedes, que é moito! Tanto como vontade de traballar. Picasso dicía que “cando me veña a inspiración, que me atope traballando”. Tal vez o que distingue alguén especial dalguén normal é o amor que sente por aquilo que fai, que é o que lle motiva para facelo durante moitas horas. Deixa de ser un traballo para pasar a ser un modo de vida.

(Fotos da exposición, cortesía de Nazaré de Sousa).

“…En aquella época todos los paraguas eran negros, pardos o, si acaso, de color azul de Prusia o verde oscuro. Así que, cuando apareció en la fábrica aquel paraguas amarillo, todo el mundo se quedó frío. Un paraguas de semejante color no estaba en los planes, ni en los catálogos, ni en los pedidos…”

En una ciudad gris y con gente gris, el operario de una fábrica de paraguas comete la osadía de saltarse las normas establecidas y fabricar un paraguas amarillo pese a que lo que se lleva son los paraguas de color negro, marrón, verde y azul oscuro. El relato de Joel Franz Rosell -ilustrado por Giulia Frances Campolmi- reivindica, pues, la libertad y la creatividad frente a la rutina y las convenciones impuestas.

RESEÑA: “El paraguas amarillo“

—————————–

Naquela época todos os paraugas eran de cor negra, parda ou, se acaso, azul de Prusia ou verde escuro. Así que, cando na fábrica apareceu aquel paraugas amarelo, todo o mundo ficou pampo. Un paraugas de semellante cor non estaba previsto na programación nin nos catálogos nin nos pedidos…

Nunha cidade gris e con xente gris, o operario dunha fábrica de paraugas comete a ousadía de saltar as normas establecidas e fabricar un paraugas amarelo malia que o que se leva son os paraugas de cor negra, marrón, verde e azul escuro. O relato de Joel Franz Rosell ilustrado por Giulia Frances Campolmi- reivindica, pois, a liberdade e a creatividade fronte á rutina e ás convencións impostas.

RESEÑA: “O paraugas amarelo”

Habla también de la disyuntiva entre satisfacer nuestros sueños personales y la posibilidad de ser útiles a los demás; el paraguas humanizado que protagoniza este cuento no aspira a un destino diferente del de cualquier otro paraguas: mojarse con la lluvia. Quedar expuesto en un escaparate, esperando a que algún cliente se fije en los objetos de saldo de un tendero anodino, es una terrible frustración. Pero cuando se le ofrece la oportunidad de llenar de color y alegría la vida de muchas personas, el paraguas amarillo sigue ansiando su simple sueño de proteger cabezas bajo las nubes.

Las ilustraciones de Giulia Frances Campolmi reflejan el ánimo del paraguas amarillo: la triste estancia en la tienda, el humor, el colorido, la diversión y la fantasía de su faceta de artista. Destaca el lirismo del texto -“los aguaceros primaverales, los chaparrones del verano, las turbonadas otoñales y los chubascos del invierno”- y y el tratamiento cromático de las imágenes, que recrean el ambiente urbano a base de tonos grises en los que contrasta “un pequeño sol deslumbrando en medio de la lluvia”.

Joel Franz Rosell (Cruces, Cuba, 1954) es escritor, ilustrador, crítico, profesor y periodista. Ha vivido en Cuba, Brasil, Dinamarca, Argentina, España y Francia, países en los que escribió numerosos libros para niños. Algunas obras suyas fueron adaptadas para televisión, radio, cómic y fotonovela, teatro y na-rración oral, principalmente en su país natal. También publicó trabajos de crítica y ensayo en periódicos y revistas de Europa, América y Asia. Entre otros reco-nocimientos, obtuvo la distinción The White Ravens (Biblioteca Internacional de la Juventud, Alemania) en 1996 y 2005, el Premio La Rosa Blanca (Unión de Escritores y Artistas de Cuba, seis veces entre 1995 y 2005) y el Premio de la Ciudad de Cherburgo (Francia, 2001).

Giulia Frances Campolmi (Florencia, 1980) es graduada en Diseño y Teatro en la Escuela de Arte Central St. Martins de Londres, desde 2004 trabaja como diseñadora de escenografía teatral y vestuario, tanto en Italia como en Inglaterra, para montajes que se representan internacionalmente. Participó en expo-siciones con obras de instalación y performance. Por su afición, desde la niñez, a los libros ilustrados, realizó el Master en Ilustración ‘Ars in Fabula’ de la Academia de Artes de Macerata. “El paraguas ama-rillo”, creado precisamente durante ese curso, es su primer libro.  

—————————–

Fala tamén da disxuntiva entre satisfacer os nosos soños persoais e a posibilidade de serlles útiles aos demais; o paraugas humanizado que protagoniza este conto non aspira a un destino diferente do de calquera outro paraugas: mollarse coa chuvia. Quedar exposto nun escaparate, agardando a que algún cliente se fixe nos obxectos de saldo dun tendero anodino, é unha terrible frustración. Pero cando se lle ofrece a oportunidade de encher de cor e de ledicia a vida de moitas persoas, o paraugas amarelo segue arelando o seu simple soño de protexer cabezas baixo as nubes.

As ilustracións de Giulia Frances Campolmi reflicten o ánimo do paraugas amarelo: a triste estadía na tenda, o humor, o colorido, a diversión e a fantasía da súa faceta de artista. Destaca o lirismo do texto -“os orballos primaverais, as bategadas do verán, os trebóns outonais e os chuvascos do inverno”- e o tratamento cromático das imaxes, que recrean o ambiente urbano a base de tons grises nos que contrasta “un pequeno sol que resplandece no medio da chuvia”.

Joel Franz Rosell (Cruces, Cuba, 1954) é escritor, ilustrador, crítico, profesor e xornalista. Viviu en Cuba, Brasil, Dinamarca, Arxentina, España e Fran-cia, países nos que escribiu numerosos libros para nenos. Algunhas obras súas foron adaptadas para televisión, radio, cómic e fotonovela, teatro e narra-ción oral, principalmente no seu país natal. Tamén publicou traballos de crítica e de ensaio en xornais e revistas de Europa, América e Asia. Entre outros recoñecementos, obtivo a distinción The White Ravens (Biblioteca Internacional da Xuventude, Alemaña) en 1996 e 2005, o Premio La Rosa Blanca (Unión de Escritores e Artistas de Cuba, seis veces entre 1995 e 2005) e o Premio da Cidade de Cherburgo (Francia, 2001).

Giulia Frances Campolmi (Florencia, 1980) é graduada en Deseño e Teatro na Escola de Arte Central St. Martins de Londres, dende 2004 traballa como deseñadora de escenografía teatral e vestiario tanto en Italia como en Inglaterra, para montaxes que se representan internacionalmente. Participou en ex-posicións con obras de instalación e performance. Pola súa afección, dende a nenez, aos libros ilustra-dos, realizou o Master en Ilustración ‘Ars in Fabula’ da Academia de Artes de Macerata. “O paraugas ama-relo”, creado precisamente durante ese curso, é o seu primeiro libro.

“Almanaque musical” non só está chamado a cativarnos polo oído, pola musicalidade dos versos de Antonio Rubio e polas propostas de escoita que se recomendan nunha listaxe ao final do libro: concertos para corda de Vivaldi, Bach, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Brahms, Chaikovski, Sibelius, Prokofiev, Alban Berg, Béla Bartok, Boccherini, Haydn, Dvorak. O seu encantamento comeza cos sentidos do tacto e da vista, axiña percibimos na portada a suave textura do fondo sobre o que resaltan as fermosas ilustracións de David Pintor; unha calidez que traspasa ás páxinas interiores, con imaxes que nos transportan no tempo dende a neve do inverno ata vento outonizo, pasando polas chuvias da primavera e o lecer estival.

Versos para todo o ano, recén saídos do prelo nestes primeiros días de xaneiro, e que danzan no pentagrama ao ritmo duns músicos moi especiais. Están a piques de chegar ás librarías para amenizarnos o 2012.

————————————-

“Almanaque musical” no solo está llamado a cautivarnos por el oído, la musicalidad de los versos de Antonio Rubio y las propuestas de audición que se recomiendan en un listado al final del libro: conciertos para cuerda de Vivaldi, Bach, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Brahms, Chaikovski, Sibelius, Prokofiev, Alban Berg, Béla Bartok, Boccherini, Haydn, Dvorak. Su encanto comienza con los sentidos del tacto y la vista, tan pronto como percibimos en la portada la suave textura del fondo sobre el que resaltan las hermosas ilustraciones de David Pintor; una calidez que traspasa a las páginas interiores, con imágenes que nos transportan en el tiempo desde la nieve del invierno hasta el viento otoñizo, pasando por las lluvias de la primavera y el ocio estival.

Versos para todo el año, recién salidos de la imprenta en estos primeros días de enero, y que danzan en el pentagrama al ritmo de unos músicos muy especiales. Están a punto llegar a las librerías para amenizarnos este 2012.

“…Fórmase un ballet

de chapeus aéreos:

unha gran bandada

de paxaros ledos…”

(Fragmento de “Marzo”, texto de Antonio Rubio en ALMANAQUE MUSICAL)

“Almanaque musical” contén doce poemas, un para cada mes, nos que o fío condutor é a música clásica, cos intérpretes dunha peculiar orquestra de intrumentos de corda. Os versos de Antonio Rubio evocan o tempo, o pentagrama, a batuta, a ritmo de valse e alalá, sinfonía, tocata e romaría.

Cos seus inseparables violíns, violas e violonchelos, e elegantemente conxuntados, os músicos que retrata David Pintor adoptan posicións e situacións divertidas, fóra do habitual contexto dunha sala de concertos. Uns de aparencia humana e outros do reino animal, forman un grupo fantástico que para si quixeran os mellores compositores.

O álbum complétase cunha relación escrita de pezas de Vivaldi, Bach, Mozart, Beethoven, Mendelsshon, Brahms, Chaikovski, Sibelius, Prokofiev, Alban Berg, Béla Bártok, Boccherini, Haydn e Dvorak, que conforman o repertorio ideal para amenizar a lectura poética e visual.

Antonio Rubio (El Puente del Arzobispo, Toledo, 1953) é poeta e mestre, bibliófilo e amante do alfabeto, como el mesmo se define. Estudou Maxisterio e actual-mente exerce a súa tarefa pedagóxica en Plasencia, compaxinando a súa profesión coa literatura, as acti-vidades de animación á lectura e as colaboracións en medios de comunicación. É autor, entre outros, dos álbums “O poliño da abeleira”, “A merliña” e da colección “Do berce á lúa”, editados por KALANDRAKA.

David Pintor (A Coruña, 1975) é humorista gráfico, ilustrador e pintor. Dende 1993 pertence a Pinto&Chinto, que publican as súas viñe-tas en La Voz de Galicia. En 2011 foi finalista dos CJ Picture Book Awards e incluido na lista The White Ravens; seleccionado para expoñer en varias edicións da Bienal de Ilustración de Bratislava e da Feira Internacional do Libro Infantil e Xuvenil de Boloña. Recibiu, entre outros, o premio da Society of News Design, o Premio Pura e Dora Vázquez de ilustración, o Premio Internacional Clermont-Ferrand de cadernos de viaxe, e o Premio Ilustrador do Ano Città del Sol. Na súa ampla experiencia editorial destaca como autor do caderno de viaxe “Compostela”, e como ilustrador de “Hércules e Crunia”, “Contos para nenos que dormen deseguida” e “Minimalario” (en castelán), publicados por KALANDRAKA.

—————————–

“Almanaque musical” contiene doce poemas, uno para cada mes del año, en los que el hilo conductor es la música clásica, con los intérpretes de una peculiar orquesta de intrumentos de cuerda. Los versos de Antonio Rubio evocan el tiempo, el pentagrama, la batuta, a ritmo de vals, tocata o sinfonía.

Con sus inseparables violines, violas y violonchelos, y elegantemente conjuntados, los músicos que retrata David Pintor adoptan posiciones y situaciones divertidas, fuera del habitual contexto de una sala de conciertos. Unos de apariencia humana y otros del reino animal, forman un grupo fantástico que para sí quisieran los mejores compositores.

El álbum se completa con una relación escrita de piezas de Vivaldi, Bach, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Brahms, Chaikovski, Sibelius, Prokofiev, Alban Berg, Béla Bártok, Boccherini, Haydn y Dvorak, que conforman el repertorio ideal para amenizar la lectura poética y visual.

Antonio Rubio (El Puente del Arzobispo, Toledo, 1953) es poeta y maestro, bibliófilo y amante del alfabeto, como él mismo se define. Estudió Magisterio y actual-mente ejerce su tarea pedagógica en Plasencia, com-paginando su profesión con la literatura, las activida-des de animación a la lectura y las colaboraciones en medios de comunicación. Es autor, entre otros, de los álbumes “El pollito de la avellaneda”, “La mierlita” y la colección “De la cuna a la luna”, editados por KALANDRAKA.

David Pintor (A Coruña, 1975) es humorista gráfico, ilustrador y pintor. Desde 1993 pertenece a Pinto&Chinto, que publican sus viñetas en La Voz de Galicia. En 2011 fue finalista de los CJ Picture Book Awards e incluido en la lista The White Ravens; seleccionado para exponer su obra en varias ediciones de la Bienal de Ilustración de Bratislava y de la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil de Bolonia. Recibió, entre otros, el premio de la Society of News Design, el Premio Pura y Dora Vázquez de ilustración, el Premio Internacional Clermont-Ferrand de cuadernos de viaje y el Premio Ilustrador del Año Città del Sol. En su amplia experiencia editorial destaca como autor del cuaderno de viaje “Compostela”, y como ilustrador de “Hércules y Crunia”, “Cuentos para niños que se duermen enseguida” y “Minimalario”, publicados por KALANDRAKA.

“…Cabalgan los músicos

aves musicales

al trote de danzas,

rondas y espirales”.

(Fragmento de “Octubre”, texto de Antonio Rubio en ALMANAQUE MUSICAL).