O ilustrador ourensán Pablo Otero presentou “Contos por teléfono” na súa cidade natal. A libraría infantil e xuvenil Zampacontos, con Ángel Perotti como anfitrión, foi o escenario desta cita cos relatos do mestre e pedagogo italiano Gianni Rodari, un clásico imprescidible en calquera biblioteca familiar ou escolar, con todo o colorido, o simbolismo e a imaxinación que lle impregnou Pablo Otero a esta edición especial do libro, coas ilustracións que acompañan estes relatos breves. Ante un público cercano e curioso, Pablo Otero compartiu algunhas claves das imaxes de contos como “Alicia caediza” ou “O carrusel de Cesenatico”, cuxos orixinais se expoñen no escaparate de Zampacontos, xunto cun chamativo teléfono xigante elaborado en tea de feltro polo propio ilustrador. Esta peculiar intervención artística poderá apreciarse aínda uns días máis no local 21 das Galerías Sol da cidade das Burgas.

(Reportaxe fotográfica: Eugenia Muñoz, de Zampacontos).

O artista plástico ourensán Pablo Otero vai presentar mañá venres, 3 de febreiro, a partir das 18:30 horas, na libraría infantil Zampacontos de Ourense, a obra “CONTOS POR TELÉFONO”, da que é ilustrador. Trátase dun libro de relatos breves do mestre e escritor italiano Gianni Rodari, considerado un dos piares da pedagoxía moderna.

“CONTOS POR TELÉFONO”, publicado por Kalandraka nunha edición especial, é un dos referentes mundiais da Literatura Infantil e Xuvenil, no que o autor xoga coa imaxinación, o surrealismo e o sentido do humor. A obra vén de ser elixida, polos lectores da web Fervenzas Literarias, como o mellor libro infantil traducido no ano 2011.

Na presentación, dirixida a público infantil a partir de 6 anos e a público adulto en xeral, Pablo Otero explicará algúns aspectos desta obra pictórica, a través dos relatos de Rodari. As imaxes destacan polo seu valor simbólico, a proliferación de formas e figuras xeométricas, e o gran protagonismo da cor. Cunha estética ‘rodariana’, Pablo Otero mestura onomatopeas, dobres sentidos, caricaturas e refinados códigos visuais, cun vistoso resultado.

Os primeiros compradores do libro serán obsequiados cun deseño artesanal, numerado e asinado polo ilustrador. Para esta ocasión especial, Pablo Otero vai realizar unha pequena intervención artística no escaparate de Zampacontos, con elementos tridimensionais creados expresamente para o libro, e con ilustracións orixinais dos contos.

Pablo Otero (Ourense, 1970) estudou na Facultade de Belas Artes de Pontevedra. Expuxo os seus debuxos, esculturas e pinturas en diversas galerías. Obtivo unha mención de honra no Premio Llibreter por “Mateo”, editado por Kalandraka, onde tamén publicou as ilustracións de “O Príncipe das sombras” e “ABCdiario”. Gañou o 1º Premio de Escultura no I Salón de Arte Xoven de Ourense (1992), o María Casares de Escenografía (1999) e un accésit do Premio Lazarillo.

O narrador Boniface Ofogo (Camerún, 1966) vai impartir unha charla titulada “A importancia da oralidade” este mércores 1 de febreiro, a partir das 17:30 horas, na libraría infantil e xuvenil LIBROS PARA SOÑAR de Vigo (r/ Triunfo, 1). Nesta sesión, que está dirixida a público adulto, especialmente docentes, pais e nais, Boni Ofogo vaise basear na súa experiencia persoal para xustificar a necesidade de achegar os nenos e nenas, dende idade temperá, á tradición oral, como piar da súa formación humana e cultural.

Medrou nunha aldea do interior de Camerún, “onde a transmisión oral era a única maneira de acceder a calquera tipo de información ou coñecemento”. Máis tarde, Boni Ofogo accedería á literatura escrita a través dos seus estudos académicos como doutorado en Filoloxía Hispánica, e da súa traxectoria profesional como mediador sociocultural, se ben a “oralidade primaria” na que se educou segue sendo o “principal punto de referencia” no seu traballo de narrador, faceta á que se adica en exclusiva dende 2005.

“Dende neno fun iniciado polo meu pai na arte da palabra oral”, explica Boni Ofogo, que acudía ás “xuntanzas dos avós”, nas que aprendeu “a escoitar e a manexar a arte da oratoria”. Foi neses encontros onde se lle inculcou a importancia de “venerar as persoas maiores, porque son depositarias dunha sabedoría milenaria”.

Boni Ofogo é autor de dous libros: “Una vida de cuento”, editado polo Ministerio de Educación, e o álbum infantil “O león Kandinga”, publicado por KALANDRAKA, que se basea nun conto tradicional camerunés. Esta última obra, ilustrada por Elisa Arguilé, foi galardoada en 2009 co Premio da Fundación CJ de Cultura (Corea), obtivo unha mención de honra no Premio Città di Bella (Italia) en 2011, e atópase entre as lecturas recomendadas pola Fundação Nacional do Livro Infantil e Juvenil (Brasil).

A charla teórico-práctica de Boni Ofogo complementarase coa narración de proverbios e contos de tradición oral para público adulto, incluido “O león Kandinga”.

Hasta el 31 de enero se puede visitar en la Galería Visions (c/ Igualada, 4) de Barcelona la exposición de ilustraciones “Els mons oblidats” (“Los mundos olvidados”), de Dani Torrent, ilustrador de “Mefi, Sata y Monio”, y autor e ilustrador de “Mi abuelo Carmelo”, editados por KALANDRAKA. Este último título se presentó recientemente en el Museu del Joguet de Catalunya, con la participación de Joan Manel Soldevilla, catedrático de Lengua y Literatura, ensayista, comisario de exposiciones, guionista de proyectos multimedia, y al que une una entrañable relación académica con Dani Torrent, del que fue profesor de Literatura en el instituto donde estudió.

La muestra en Visions invita a “pasear por mundos olvidados, poblados con seres andróginos, tiernos e inquietantes, de belleza sinistra e inocencia llena de secretos; mundos en los que las fronteras se vuelven fluidas y lo que parece simple esconde un sustrato complejo lleno de miedos atávicos y deseos ocultos, un mundo de sugerencia y relatividad, como la realidad justo antes de que uno despierte”. Así presenta la responsable de la galería, Araceli Costales, esta exposición, que se puede visitar de 18:00 a 21:00 horas.

Sobre “Mi abuelo Carmelo”, el blog de literatura infantil Los Cuentos de Bastian dedica esta semana una completa reseña a este álbum, sobre el que también se habló en el Canal Nord TV:

“Vi por primera vez este libro en la librería y me paré delante de él, porque la portada lo dice todo. Un abuelo y un niño pequeño observando las golondrinas volar más allá de las nubes. Los dos con escoba en mano, como una lanza en posición de descanso. El abuelo reposando su mano suave y tiernamente sobre la cabeza del pequeño. El cielo, un enorme sobre repleto de viajes, recuerdos e historias. Desde aquel día, me quedé con aquella imagen. Se dio la casualidad –aunque no creo en ellas– que Joan M. Soldevilla me habló de este libro. Precisamente lo presentaba junto con su autor, Dani Torrent”.

En efecto, la editora de Los Cuentos de Bastian, Silvia Cartañá, se refiere a la magistral presentación que el profesor Soldevilla hizo de “Mi abuelo Carmelo” ante el público infantil y adulto que acompañó al autor e ilustrador en el Museu del Joguet:

“Per on començar a parlar d’aquest llibre? Podria parlar de l’autor i de la seva trajectòria però per fer això cal tenir un coneixement de tots els camps que ha recorregut en Dani Torrent fins a arribar a aquest projecte, cosa per a la qual jo no estic qualificat. Podria parlar de l’autor, un recurs força tradicional quan no es vol parlar del llibre o quan el presentador vol subratllar la seva amistat d’anys amb l’artista per, en el fons, parlar més d’ell mateix, el presentador, que no pas del presentat. No és el cas. De fet, amb en Dani Torrent no som amics en el sentit tradicional del terme, la qual cosa m’empobreix com a persona però em dignifica com a presentador ja que potencia la meva objectivitat. Encara que digui que no sóc amic, però, el cert és que vàrem treballar plegats al llarg d’un parell d’anys del segle passat, quan ell era jove i jo, no tant, però també. Bons anys en què en Dani feia el trajecte Camallera-Figueres, Figueres-Camallera amb tenacitat i confiança en els serveis ferroviaris. Suposo que algú que viatja a diari, que persevera en els seus objectius i que confia amb tanta generositat en la RENFE és algú que està molt preparat per iniciar el sempre complicat camí de l’artista.

Per on començar a parlar del llibre? Havia pensat fer-ho pel dibuix, o iniciar el meu parlament parlant del retrat dels personatges, però em semblava que ambdues aproximacions eren poc practiques perquè el llibre té una coherència tan intensa entre dibuix i i text que iniciar una reflexió sobre el llibre descomposant els seus elements tenia quelcom de dissecció de cadàver que no feia justícia al producte. Mentre em plantejava aquest interrogant, “per on començar?”, mirava i remirava el llibre, i quan deixava de fer-ho, el situava en un racó privilegiat del menjador, un d’aquells petits vòrtex on sempre es condueix la mirada quan estàs assegut al sofà de casa. I mirant el llibre de lluny, potser endormiscat quan començava la informació meteoròlogica, vaig fixar-me en els marges de la portada i llavors vaig trobar la solució. Començaria a parlar del llibre per marges.

Aquest llibre és una carta, i més concretament una carta aèria. Un aerograma, quina paraula més suggerent… És una carta que l’autor envia al seu passat i al seu avi carregada d’emocions i de vivències. El llibre, sorgit d’una experiència autobiogràfica, ens parla de com un nen i el seu avi miraven el cel, com observaven els núvols i les orenetes, com dialogaven amb la natura. I com anys després, mirant el cel i les orenetes, l’autor continua dialogant amb la natura i amb el seu avi, ja desaparegut, a qui envia aquesta carta.

“Mi abuelo Carmelo” és un llibre agosarat perquè ens parla del record i, per damunt de tot, de per què créixer suposa abandonar un món edènic i iniciar un camí on anem perdent les persones estimades. Però a l’hora d’encarar una experiència tan dolorosa, l’autor defuig el dramatisme i ens parla amb tendresa i harmonia; créixer és la nostra gran aventura, sembla dir-nos l’autor, però créixer és també assumir el dolor que anem recollint al llarg de la nostra aventura personal. Per dur a terme aquesta reflexió, en Dani explica una anècdota senzilla, aparentment intranscendent, com és el joc que ell i el seu avi desenvolupaven quan acabava de ploure. Al jardí de casa seva, quan el terra era moll, avi i net agafaven les escombres i dibuixaven al terra, amb l’aigua dels tolls, efímeres creacions que poc després s’evaporaven i desapareixen.

En aquest entreteniment tan innocent s’articula un complex discurs de comunió amb la natura; l’avi llegeix el llenguatge dels núvols i de les orenetes i ensenya al nen com la natura té un llenguatge xifrat que cal entendre i com la única manera de d’entendre’l és a través de la creació artística, gratuïta i efímera que torna a fusionar-se amb l’entorn que ens envolta. L’avi és un mestre, un guia que mostra al petit nen com l’art pot explicar allò que és inefable. Anys després el nen, ja adult, ja artista, crea una peça per explicar-nos a nosaltres, els lectors, una experiència inefable: el record viu del seu avi.

Aquesta mirada lúcida sobre el passat i el seu record, mirada carregada d’originalitat està servida en un dibuix singular on els personatges són sotmesos a una deformació expressionista que no busca la caricatura sinó el subratllat icònic d’alguns elements, especialment uns ulls enormes que semblen voler capturar l’essència de la natura i de l’art. Aquesta mirada intensa i viva és igualment mostrada amb un gust per treballar les composicions des de perspectives arriscades i sorprenents. No ens trobem, però, davant d’un exercici gratuït, un experiment formal, sinó una necessitat de l’artista que se sent obligat a mostrar una mirada nova, una perspectiva nova sobre el seu record per poder capturar el llenguatge xifrat d’aquella vivència.

Aquest discurs gràfic, tan complex i carregat d’emoció on els color càlids sedueixen el lector per la seva coherència cromàtica té el contrapunt necessari en un discurs textual d’una nuesa absoluta. Amb una austeritat extrema, amb la irrupció puntual d’una cançó popular i sempre amb una depuració minimalista treballada amb rigor inexorable, el text equilibra la mirada sobre el passat defugint el sentimentalisme però mostrant els sentiments.

Les orenetes, viatgeres i constants en tot el llibre, sovint metamorfosejades gràcies a la màgia del dibuix en peixos que volen com els ocells són un dels elements recurrents en tot el llibre. Les orenetes i els núvols esdevenen els motius que expliciten el pas del temps, com el jardín que se hará nuevo cada año, que deia Juan Ramón Jiménez; i així com l’avi Carmelo va arribar a saber el llenguatge secret de la natura, el nen Torrent, en aquest llibre, se’ns mostra posseïdor d’aquest secret arcànic que ell explica a través de la creació artística.

Jo no vaig conèixer els meus avis i els meus fills tampoc ho han pogut fer. Per mi, l’experiència de l’avunitat -permeteu-me el cultisme- és quelcom aliè, desconegut. Malgrat això, Mi abuelo Carmelo m’ha fet sentir nostàlgia d’allò que no vaig viure, d’una infància edènica on l’avi encarnava la saviesa però no l’autoritat, l’afecte pur i desinteressat, recíproc i generós.

Com dèiem, el llibre és una carta, però una missiva que alhora s’alimenta de cartes. Tot Mi abuelo Carmelo està acompanyat d’una selecció de cartes reals que, a través del collage, s’incorporen a les composicions grafiques. Cartes reals enviades per en Dani o cartes del propi avi Carmelo, cartes dels anys noranta i cartes dels anys seixanta enviades des de Florència, Mònaco, Algèria, Aranjuez, Turquia, Tunísia o Portugal. Espais mediterranis que empelten de llum tot el llibre, postals i cartes amb els marges blaugranes del correu aèri que viatgen amunt i avall com les orenetes, com els núvols, com els records i com els afectes.

El llibre és una carta a la que jo goso posar-li el segell per, benvolgut públic, enviar-vos-la, encoratjant-vos a que descobriu aquesta meravella”.

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<<¿Por dónde poder comenzar a hablar de este libro? Podría hablar sobre el autor y su trayectoria, pero para ello sería necesario tener un conocimiento en aquellos campos que Dani Torrent ha recorrido hasta llegar a este proyecto, cosa para la cual no estoy cualificado. Podría hablar del autor, un recurso muy tradicional cuando no se quiere hablar del libro o cuando el presentador quiere remarcar su gran amistad con el artista, y poder así hablar más de si mismo y no tanto del presentado. No es el caso. De hecho, Dani Torrent y yo no somos amigos en el sentido más tradicional de la palabra, la cual cosa me empobrece como persona pero me dignifica como presentador, ya que potencia mi objetividad. Aunque haya dicho que no somos amigos, lo cierto es que trabajamos juntos durante un par de años del siglo pasado, cuando él era joven y yo, no tanto, pero también. Eran buenos años en los que Dani hacía el trayecto diario Camallera-Figueres, Figueres-Camallera con gran tenacidad y confianza en los servicios ferroviarios. Supongo que alguien que viaje a diario, que persevera en sus objetivos y que confía con tanta generosidad en RENFE, es alguien que está muy preparado para iniciar el siempre difícil camino de ser artista.

¿Por dónde empezar a hablar del libro? Había pensado empezar por el dibujo, o iniciar mi parlamento hablando del retrato de los personajes, pero ambas aproximaciones me parecían poco prácticas, ya que el libro tiene una coherencia tan intensa entre dibujo y texto que iniciar una reflexión sobre el libro descomponiendo sus elementos me parecía algo así como la disección de un cadáver, que no hacía nada de justicia al producto. Mientras me planteaba este interrogante, “¿Por dónde comenzar?”, miraba y remiraba el libro, y cuando dejaba de hacerlo, lo situaba en un rincón privilegiado del comedor, uno de aquellos pequeños vórtices a los que se va la mirada cuando estás sentado en el sofá. Y mirando el libro de lejos, quizás adormecido en el momento en que empezaba la información meteorológica, me fijé en los márgenes de la portada y fue entonces cuando encontré la solución. Empezaría a hablar sobre el libro por los márgenes.

Este libro es una carta y más concretamente una carta aérea. Un aerograma, que palabra más sugerente… Es una carta que el autor envía a su pasado y a su abuelo, cargada de emociones y de vivencias. El libro, que surge de una experiencia autobiográfica, nos habla de como un niño y su abuelo miraban el cielo, como observaban las nubes y las golondrinas, como dialogaban con la naturaleza. Y como, años después, mirando el cielo y las golondrinas, el autor continua dialogando con la naturaleza y con su abuelo, ya desaparecido, a quien le envía esta carta.

“Mi abuelo Carmelo” es un libro atrevido porque nos habla del recuerdo y sobretodo, de por qué crecer supone abandonar un mundo edénico e iniciar un camino en el que vamos perdiendo a las personas queridas. Pero a la vez que el autor encara una experiencia tan dolorosa, rehuye del dramatismo y nos habla con ternura y armonía; crecer es nuestra gran aventura, parece decirnos el mismo autor, pero crecer es también asumir el dolor que vamos recogiendo a lo largo de nuestra aventura personal. Para llevar a cabo esta reflexión, Dani explica una anécdota sencilla, aparentemente intrascendente, que es el juego que él y su abuelo realizaban justo cuando acababa de llover. En el jardín de su casa, cuando el suelo estaba aún mojado, abuelo y nieto cogían las escobas y dibujaban, con el agua de los charcos, efímeras creaciones que poco después se evaporaban y desaparecían.

En este entretenimiento tan inocente se articula un complejo discurso de comunión con la naturaleza; el abuelo lee el lenguaje de las nubes y de las golondrinas, y le enseña al niño cómo la naturaleza tiene un lenguaje cifrado que es necesario entender, y cómo la única manera de entenderlo es a través de la creación artística, gratuita y efímera, que vuelve a fusionarse con el entorno que les rodea. El abuelo es un maestro, un guía que muestra al pequeño niño como el arte puede explicar aquello que es inefable. Años después el niño, ya adulto, ya artista, crea una pieza para explicarnos a nosotros, los lectores, una experiencia también inefable: el recuerdo vivo de su abuelo.

Esta mirada lúcida sobre el pasado y su recuerdo, una mirada cargada de originalidad, está servida en un dibujo singular en el que los personajes son sometidos a una deformación expresionista que no busca la caricatura sino el subrayado icónico de algunos elementos, especialmente unos ojos enormes que parecen querer capturar la esencia de la naturaleza y el arte. Esta mirada intensa y viva es fruto de un gusto por trabajar las composiciones desde perspectivas arriesgadas y sorprendentes. Pero no nos encontramos ante un ejercicio gratuito ni un experimento formal, sino ante una necesidad del artista que se siente obligado a mostrar una nueva mirada sobre su recuerdo, para poder capturar así el lenguaje cifrado de aquella vivencia.

Este discurso gráfico, tan complejo y cargado de emociones, en el que los colores cálidos seducen al lector por su coherencia cromática, tiene el contrapunto necesario en el discurso textual, de una desnudez absoluta. Con extrema austeridad, con la irrupción puntual de una canción popular y siempre con una depuración minimalista trabajada con un rigor inexorable, el texto equilibra la mirada sobre el pasado esquivando el sentimentalismo pero mostrando los sentimientos.

Las golondrinas, viajeras, constantes en todo el libro y a veces metamorfoseadas, gracias a la magia del dibujo, en peces que vuelan como pájaros, son uno de los elementos recurrentes en todo el libro. Las golondrinas y las nubes se convierten en motivos que explican el paso del tiempo, como el jardín, que se hará nuevo cada año, tal como decía Juan Ramón Jiménez; y así como el abuelo Carmelo llega a conocer el lenguaje secreto de la naturaleza, el Torrent niño, en el libro, se muestra poseedor de este secreto arcaico que explica a través de la creación artística.

Yo no conocí a mis abuelos y mis hijos tampoco lo han podido hacer. Para mi la experiencia de la abuelidad -permitidme el cultismo- es algo ajeno, desconocido. A pesar de ello, “Mi abuelo Carmelo” me ha hecho sentir nostalgia de algo que ni siquiera he vivido, de una infancia edénica en la que el abuelo encarnaba la sabiduría pero no la autoridad, el afecto puro y desinteresado, recíproco y generoso.

Como decíamos, el libro es una carta, pero una misiva que a la vez se alimenta de cartas. Todo “Mi abuelo Carmelo” está acompañado de una selección de cartas reales que, a través del collage, se incorporan a las composiciones gráficas. Cartas reales enviadas por Dani o cartas del propio abuelo Carmelo, cartas de los años noventa y cartas de los años sesenta enviadas desde Florencia, Mónaco, Argelia, Aranjuez, Turquía, Túnez o Portugal. Espacios mediterráneos que llenan de luz todo el libro; postales y cartas con los márgenes azulgranas del correo aéreo, que viajan arriba y abajo como las golondrinas, como las nubes, como los recuerdos y como los afectos.

El libro es una carta a la que oso ponerle un sello para poder enviárosla y así, estimado público, animaros a que descubráis esta maravilla>>.

(Traducción de Helena García a partir de la intervención de Joan M. Soldevilla en la presentación de “Mi abuelo Carmelo”, de Dani Torrent, en el Museu del Juguet de Catalunya, en Figueres, celebrada en noviembre de 2011).

Joan Manel Soldevilla finalizaba su intervención con un gesto simbólico: tomaba un sello que había dibujado su hija, y lo pegaba en el libro, invitando a todos los presentes a hacerlo llegar a más personas.

…Al hilo de sus palabras, Silvia Cartañá continúa así con su comentario sobre “Mi abuelo Carmelo”:

“…Yo, como Joan M. Soldevilla, tampoco conocí a mis abuelos. Mis hermanos, los mayores, me hablaban constantemente de ellos y recordaban las experiencias que me hubiera gustado vivir y saborear. Con Mi abuelo Carmelo, he logrado vivirlas y he conseguido que esos ojos inmensos, del Dani niño, sean también los míos. Quizás por eso insisto en que mis hijos, que sí tienen aún a todos sus abuelos, jueguen y se diviertan con ellos. Mi suegra a menudo me pregunta muy cortésmente: ¿te ayudo?¿quieres que haga algo? Y yo siempre le respondo: jugar con tus nietos. Recomendaba este libro a partir de 6 años, pero quizás, después de esto, debería recomendarlo para vosotros, los que tuvísteis y también los que no conocísteis abuelo. Disfrutadlo juntos con los niños, para aprender a valorar lo que se tiene, a tiempo. Agradezco la colaboración de Joan M. Soldevilla y su gentileza al compartir su texto para la presentación de este libro, pues nos ha ayudado a querer más este álbum. Con Dani Torrent y este álbum confirmamos de nuevo que las mejores creaciones son las que surgen de la propia experiencia. Un libro para compartir adultos y niños de más de seis años. Un álbum para soñar y recordar”.

La presentación de “Mi abuelo Carmelo” finalizó con un sencillo y original taller infantil, con las cartas como leit-motiv: “¿A quien escribís cartas?”. Se hacía un silencio, que una voz rompía espontáneamente: “…A los Reyes Magos o a Papa Noel!”. “¿Y cómo habláis con las personas que están lejos?”. La respuesta ya no se hacía esperar: “…Pues con Walkie Talkies!”. Así pues, la propuesta consistía en escribir cartas, en secreto, dirigidas a los seres queridos. Y a cada sobre se le adosaba un sello único, diseñado en exclusiva por Dani Torrent.

…Quizás las golondrinas, como sucede en este libro hermoso y entrañable, las hayan transportado en su vuelo hacia las nubes.

Mientras, en el suelo terrenal, la galería Visions de Barcelona acoge durante todo este mes de enero la exposición “Els mons oblidats”, en la que no solo se pueden contemplar ilustraciones de “Mi abuelo Carmelo”, sino también de “Mefi, Sata y Monio”, y otros trabajos del artista.

(Reportaje fotográfico de Helena García).

El Museo de la Electricidad de Lisboa acoge, hasta el próximo 8 de abril, la exposición de la V Bienal Internacional de Ilustración para la Infancia-Ilustrarte 2012. La muestra reúne la obra de 50 artistas plásticos de todo el mundo; de cada uno se pueden admirar tres imágenes, dispuestas en vitrinas, a modo de cajones de unas elegantes mesillas. Entre los ilustradores seleccionados figura André da Loba, con las vanguardistas estampas que ilustran el libro “Bocage: antologia poética”, de FAKTORÍA K. “(In)timidade”, “Flor-esta” y “O poeta” reflejan su particular interpretación, a base de formas y colores sorprendentes, de los versos del “poeta de la respuesta pronta e inolvidable”.

A esta quinta edición de Ilustrarte se presentaron 1.585 artistas plásticos de 65 países: la obra de Valerio Vidali fue la vencedora del certamen, mientras que Simone Rea, Nina Wehrle y Evelyne Laube recibieron menciones honoríficas. Sus trabajos ocupan un lugar preferente en el Museo de la Electricidad, que también exhibe la obra de André da Loba. El horario de visita de la exposición es de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas. También fueron seleccionados André Letria y Pablo Amargo.

Además, durante los meses de enero y febrero, André da Loba es el “Ilustrador invitado” en el blog Cria Cria, de Portugal. En semanas sucesivas, se van publicando imágenes y reflexiones de este joven, pero ya reconocido profesional de las artes plásticas.

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O Museo da Electricidade de Lisboa acolle, ata o vindeiro 8 de abril, a exposición da V Bienal Internacional de Ilustración para la Infancia-Ilustrarte 2012. A mostra reúne a obra de 50 artistas plásticos de todo o mundo; de cada un pódense admirar tres imaxes, dispostas en vitrinas, a modo de caixóns dunhas mesiñas. Entre os ilustradores seleccionados figura André da Loba, coas vangardistas estampas que ilustran o libro “Bocage: antologia poética”, de FAKTORÍA K. “(In)timidade”, “Flor-esta” e “O poeta” reflicten a súa particular interpretación, a base de formas e colores sorprendentes, dos versos do “poeta da resposta pronta e inesquecible”.

A esta quinta edición de Ilustrarte presentáronse 1.585 artistas plásticos de 65 países: a obra de Valerio Vidali foi a vencedora do certame, mentres que Simone Rea, Nina Wehrle e Evelyne Laube recibiron mencións de honra. Os seus traballos ocupan un lugar preferente no Museo da Electricidade, que tamén exhibe a obra de André da Loba. O horario de visita da exposición é de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas. Tamén foron seleccionados André Letria e Pablo Amargo.

Ademais, durante os meses de xaneiro e febreiro, André da Loba é o “Ilustrador invitado” no blog Cria Cria, de Portugal. En semanas sucesivas, vanse publicar imaxes e reflexións deste xoven, pero xa recoñecido profesional das artes plásticas.

Cria Cria: Cómo y cuándo surgió el diseño en su vida? Cómo y cuándo el diseño comenzó a transformarse en ilustración? Por qué diseña? Siente todavía la misma motivación que cuando comenzó a ilustrar?

André da Loba: La pregunta debería ser “cómo y cuándo el diseño desapareció de vuestras vidas?”. Me acuerdo de comenzar a diseñar con mis amigos (éramos todos buenos); y no sé cuándo o cómo mis amigos fueron dejando de diseñar. Yo debía estar absorvido en lo que estaba haciendo y cuando me di cuenta, ya solo diseñaba yo… y continúo sin saber por qué. Para mí, el diseño fue siempre ilustración; siempre estuvo asociado a palabras. Y como yo nunca fui muy bueno con las palabras, diseñar se convirtió para mí en una forma de decir. Lo bueno de esto es que, con la cantidad de cosas que puedo experimentar a decir con la ilustración, tengo más motivación ahora que cuando comencé a ilustrar.

…En el libro “Bocage: antología poética”, esta ilustración es la puerta de entrada al imaginario del poeta… Por eso, queda aquí también como invitación, citando a otro poeta, Miguel Torga: “Porque ningún árbol explica sus frutos, le gusta que se los coman”.

Cria Cria: Cree que tiene estilo? O cree que tiene un estilo propio? Cree que es “especial”?

André da Loba: Para mí, la palabra “estilo” debería ser eliminada del léxico de los ilustradores por mucho, mucho tiempo. Es un término reductor por reducir (disculpen la redundancia) la ilustración a su sentido más inmediato: lo visual. La ilustración ya no es el diseño con la intención decorativa de las iluminuras medievales, sino un diseño de exploración intelectual. Es más una reflexión que una representación. Hace más de un siglo que el mundo de la ilustración ha producido imágenes desafiantes, inteligentes y sofisticadas que le proponen al lector más dimensiones de las que el texto soporta (o por el cual son soportadas). Evaluar la ilustración y al ilustrador por los colores y formas que usa es como juzgar un libro por la portada. Por eso me parece mas interesante la idea de la “voz propia”. Un concepto que, a mi manera de ver, resume eficazmente el proceso de crecimiento de un ilustrador: “voz propia” propone que cada artista (ilustrador, pintor, poeta, músico…) tiene una manera única de exprimirse. Es tan único en su discurso como su huella dactilar. Cada rasgo, cada curva, cada cicatriz son irrepetibles… Pero encontrar una voz propia requiere sobre todo horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas… y después más horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas y horas de trabajo. Mucha paciencia, dedicación, perseverancia, compromiso…

Eric Carle ilustró su primer gran libro a los 40 años… José Saramago solo comenzó a ver su trabajo reconocido a los 60, como el “Memorial do Convento”… Entre 1960 y 1964 los Beatles tocaron en directo en Hamburgo, en Alemania, cualquier cosa como 1200 veces, y cuando regresaron a Reino Unido eran especiales… Bill Gates, cuando tenía 8 años comenzó a interesarse por la programación Basic y a los 20 fundó Microsoft… Imaginen las horas de programación que escribió en ese intervalo de tiempo… En fin, podíamos estar así infinitamente. Podemos argumentar que todas estas personas tienen talento y son inteligentes de partida. Pero fue el tiempo que invirtieron lo que ayudó a que dieran forma a sus capacidades innatas; sin eso, no valdrían lo que valen hoy. No nos podemos olvidar de los factores históricos y sociales que les ayudaron a crecer. Nadie llega a ningún lado solo… Pero eso es otra historia. Gran rodeo para responder a la pregunta, pero aquí va: no tengo estilo (ni propio, ni prestado) y de especial tengo lo mismo que ustedes, que es mucho! Tanto como voluntad de trabajar. Picasso decía que “cuando me venga la inspiración, que me encuentre trabajando”. Tal vez lo que distingue a alguien especial de alguien normal es el amor que siente por aquello que hace, qué es lo que le motiva para hacerlo durante muchas horas. Deja de ser un trabajo para pasar a ser un modo de vida.

(Fotos de la exposición, cortesía de Nazaré de Sousa).

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Cria Cria: Como e cando xurdiu o deseño na súa vida? Como e cando o deseño comezou a transformarse en ilustración? Por que deseña? Sente aínda a mesma motivación que cando comezou a ilustrar?

André da Loba: A pregunta debería ser “como e cando o deseño desapareceu das vosas vidas?”. Lémbrome de comezar a deseñar cos meus amigos (eramos todos bos); e non sei cando ou como os meus amigos foron deixando de deseñar. Eu debía estar absorvido no que estaba facendo e cando me decatei, xa só deseñaba eu… e continúo sen saber por que. Para min, o deseño foi sempre ilustración; sempre estivo asociado a palabras. E como eu nunca fun moi bo coas palabras, deseñar converteuse para min nun xeito de dicir. O bo disto é que, coa cantidade de cousas que podo experimentar a dicir coa ilustración, teño máis motivación agora que cando comecei a ilustrar. No libro “Bocage: antología poética”, esta ilustración é a porta de entrada ao imaxinario do poeta… Por iso, queda aquí tamén como invitación, citando outro poeta, Miguel Torga: “Porque ningunha árbore explica os seus froitos, mais gústalle que llos coman”.

Cria Cria: Cre que ten estilo? Ou cree que ten un estilo propio? Cre que é “especial”?

André da Loba: Para min, a palabra “estilo” debería ser eliminada do léxico dos ilustradores por moito, moito tempo. É un termo redutor por reducir (desculpen a redundancia) a ilustración ao seu sentido máis inmediato: o visual. A ilustración xa non é o deseño coa intención decorativa das iluminuras medievais, senón un deseño de exploración intelectual. É máis unha reflexión que unha representación. Hai máis dun século que o mundo da ilustración produciu imaxes desafiantes, intelixentes e sofisticadas que lle propoñen ao lector máis dimensións das que o texto soporta (ou polo cal son soportadas). Avaliar a ilustración e o ilustrador polas cores e formas que usa é como xulgar un libro pola portada. Por iso me parece máis interesante a idea da “voz propia”. Un concepto que, ao meu de ver, resume eficazmente o proceso de crecemento dun ilustrador: “voz propia” propón que cada artista (ilustrador, pintor, poeta, músico…) ten unha maneira única de exprimirse. É tan único no seu discurso como a súa pegada dactilar. Cada risco, cada curva, cada cicatriz son irrepetibles… Pero atopar unha voz propia requere sobre todo horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas… e logo máis horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas e horas de traballo. Moita pacencia, dedicación, perseverancia, compromiso…

Eric Carle ilustrou o seu primeiro gran libro aos 40 anos… José Saramago só comezó a ver o seu traballo recoñecido aos 60, como o “Memorial do Convento”… Entre 1960 e 1964 os Beatles tocaron en directo en Hamburgo, en Alemaña, calquera cousa como 1200 veces, e cando regresaron a Reino Unido eran especiais… Bill Gates, cando tiña 8 años comezou a interesarse pola programación Basic e aos 20 fundou Microsoft… Imaxinen as horas de programación que escribiu nese intervalo de tempo… En fin, podiamos estar así infinitamente. Podemos argumentar que todas estas persoas teñen talento e son intelixentes de partida. Pero foi o tempo que investiron o que axudou a que deran forma ás súas capacidades innatas; sen iso, non valerían o que valen hoxe. Non podemos esqueder os factores históricos e sociais que lles axudaron a medrar. Ninguén chega a ningures só… Pero iso é outra historia. Gran rodeo para respostar a pregunta, pero aquí vai: non teño estilo (nen propio, nen prestado) e de especial teño o mesmo que vostedes, que é moito! Tanto como vontade de traballar. Picasso dicía que “cando me veña a inspiración, que me atope traballando”. Tal vez o que distingue alguén especial dalguén normal é o amor que sente por aquilo que fai, que é o que lle motiva para facelo durante moitas horas. Deixa de ser un traballo para pasar a ser un modo de vida.

(Fotos da exposición, cortesía de Nazaré de Sousa).

La exposición “Max: Panóptica 1973-2011” se podrá visitar en el Instituto Cervantes de Madrid (c/ Alcalá, 49) del 22 de febrero al 13 de mayo, según anuncia el propio Max en su blog. Hasta el pasado 31 de diciembre se pudo ver en el Centro Cultural de España, en la Ciudad de México, en el marco del Tercer Encuentro de Edición Gráfica. La muestra itinerante, que se inauguró el pasado mes de mayo en el MuVIM de Valencia, consta de cerca de 200 dibujos originales, dos paneles luminosos y una amplia selección de carteles, revistas, postales, fotogradías, periódicos, camisetas y otros objetos relacionados con la trayectoria del artista, estructurados por décadas, desde los años 70 hasta la actualidad.

“Max: Panóptica 1973-2011” también es el título del libro-catálogo diseñado por Aina Capdevila y editado por KALANDRAKA con motivo de esta muestra, comisariada por Marta Sierra. Al igual que los contenidos expositivos, los materiales incluidos en esta publicación están ordenados cronológicamente. Viñetas en blanco y negro, bocetos, portadas de discos, novela gráfica, libros infantiles y muchas páginas de cómic que contribuyeron a dar forma a fanzines y revistas míticas como El Víbora. Los artículos de Alberto Ruiz de Samaniego, Jordi Costa, José Carlos Llop y Santiago García analizan, desde diferentes puntos de vista, la obra irreverente y rompedora de Max, que ya forma parte de la memoria visual de este país y que ha evolucionado proyectándose con fuerza en el siglo XXI.

¡Invierno!

Duermen en los buzones los carteros

para huir del viento helado y traicionero

que ha dejado sin hojas mi cuaderno.

¡Invierno!

Fragmento de “Estaciones” en el libro “Ciudad Laberinto”: Pedro Mañas (texto), Silvina Solcolovsky (ilustraciones). II Premio Internacional Ciudad de Orihuela de Poesía para Niños. Faktoría K de Libros, 2010.

Son el tándem perfecto: uniendo los versos de Pedro Mañas y la creatividad artística de Silvina Socolovsky, el resultado es un magnífico taller infantil con el libro “Ciudad Laberinto” como hilo conductor. FNAC Callao, en Madrid, fue el escenario de esta dinámica y participativa experiencia, en la que niños y niñas desvelaron los misterios ocultos de las grandes urbes: su avenidas, calles y callejones, el tráfico incesante, los sorprendentes habitantes del subsuelo, las formas y colores de sus edificios, con innumerables puertas y ventanas…

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Son o tándem perfecto: unindo os versos de Pedro Mañas e a creatividade artística de Silvina Socolovsky, o resultado é un magnífico obradoiro infantil co libro “Ciudad Laberinto” como fío condutor. FNAC Callao, en Madrid, foi o escenario desta dinámica e participativa expeiencia, na que nenos e nenas desvelaron os misterios ocultos das grandes urbes: as súas avenidas, rúas ecanellas, o tráfico incesante, os sorprendentes habitantes do subsolo, as formas e cores dos seus edificios, con innumerables portas e fiestras…

Recitaron versos de los poemas y jugaron a adivinar los “ciudacertijos”. Pedro Mañas y Silvina Socolovsky fueron los guías de excepción en un divertido recorrido por el enrevesado mapa de una geografía imaginaria: ¡la ciudad soñada!

Olivia disfrutó representando el papel de los diferentes personajes que se cruzan por la ciudad: guardia urbano, barrendero, repartidor, semáforo, buzón, señora rata… Candela también hizo descubrimientos reveladores sobre los aromas y los rumores que se mezclan en el ambiente. Tomás asistía asombrado a esta escenificación de la peculiar realidad que se vive, día a día, sobre esta bulliciosa jungla de baldosas y asfalto.

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Recitaron versos dos poemas e xogaron a adiviñar os “cidacertixos”. Pedro Mañas e Silvina Socolovsky foron os guías de excepción nun divertido percorrido polo enrevesado mapa dunha xeografía imaxinaria: a cidade soñada!

Olivia gozou representando o papel dos diferentes personaxes que se cruzan pola cidade: garda urbano, barrendeiro, repartidor, semáforo, buzón, señora rata… Candela tamén fixo descubrimentos reveladores sobre os aromas e os rumores que se mesturan no ambiente. Tomás asistía asombrado a esta escenificación da peculiar realidade que se vive, día a día, sobre esta bulideira xungla de baldosas e asfalto.

“Más de 30 años después hay que estar diciéndole a la gente las mismas cosas”, dijo Esther Tusquets sobre “La conejita Marcela“, un álbum editado por Lumen en los años 70 y recuperado ahora por Kalandraka con unas nuevas ilustraciones de María Hergueta. Y es que un relato que aborda, de forma fabulada y metafórica, la relación entre los seres humanos, por encima de las diferencias, reivindicando la tolerancia y la rebeldía, sigue siendo plenamente vigente. La bibliotecaria y experta en LIJ Nati Calvo repasó la enorme contribución de Esther Tusquets a la Literatura Infantil y Juvenil durante su etapa al frente de Lumen, editando libros “arriesgados” de autores como Leo Lionni, Reiner Zimnik, o Janosch. El director de Kalandraka, Xosé Ballesteros, expresó la satisfacción que para la editorial ha supuesto la posibilidad de unir un texto tan necesario como el de Esther Tusquets con el trabajo de una ilustradora que acaba de iniciar su trayectoria artística con su primer libro. María Hergueta ha modernizado “La conejita Marcela” con colores atrevidos y texturas que contrastan con el estilo clásico y naturalista de las figuras.

(CONTINUARÁ)

El ilustrador de “Rasmus y el vagabundo“, Pablo Auladell, participará en la presentación de este libro, el sábado día 17 a las 19:00 horas en la FNAC de Alicante (Avda. Estación, 5). Le acompañarán el profesor de la Universidad de Alicante, Ramón Lloréns, y nuestro compañero de KALANDRAKA, Cesáreo Martín.

Más información de este clásico de Astrid Lindgren, en el BLOG K.

Los conejos blancos andaban muy erguidos y miraban derecho delante de sí, y los conejos negros caminaban con la cabeza gacha y miraban al suelo. De este modo resultaba que conejos blancos y conejos negros no se miraban nunca a los ojos…

La Llibreria La Central del Raval, en Barcelona (Elisabets, nº 6), acogerá este jueves día 15, a partir de las 19:00 horas, el acto de presentación del libro “La conejita Marcela“, una de las novedades que KALANDRAKA presenta este mes de diciembre. Participarán la autora de la obra, Esther Tusquets, conocida escritora y prestigiosa editora que fundó la editorial Lumen, y la ilustradora del álbum, María Hergueta. Les acompañarán Nati Calvo, bibliotecaria y experta en LIJ, y el director de KALANDRAKA, Xosé Ballesteros.

Marcela es una conejita distinta a los demás habitantes de su comunidad. No solo por su ojo torcido, que le tapan con unas lentes ahumadas, sino porque no se adapta a las normas establecidas y por eso un día se escapa. Su siguiente destino es un poblado de conejos negros y blancos que funciona al revés de su lugar de procedencia. En el fondo, “todo ocurría al revés pero todo era lo mismo: unos bebían el agua limpia y otros el agua sucia, unos comían buen pasto y otros hierba reseca, unos pisaban y otros eran pisados”, reflexiona Marcela con amargura.

Esta fábula, escrita en 1979, aborda cuestiones como la educación en igualdad, el respeto por las diferencias, la tolerancia y la convivencia entre culturas, razas y creencias. Su protagonista es rebelde, osada y nada convencional; rechaza las injusticias y procura la felicidad, fiel a sus ideales.

Esther Tusquets (Barcelona, 1936) fue alumna del Colegio Alemán y posteriormente estudió Filosofía y Letras en las Universidades de Barcelona y Madrid. Durante varios años fue profesora de Literatura e Historia en la Academia Carillo. En la década de los 60 fundó la editorial Lumen, de la que fue directora durante 25 años. En 1978 publicó su primera novela, “El mismo mar de todos los veranos”, con la que inició una trilogía a la que siguió en 1979 “El amor es un juego solitario”, con la que ganó el Premio Ciudad de Barcelona, y concluyó al año siguiente con “Varada tras el último naufragio”. También es autora de cuentos infantiles y libros de relatos. Entre sus obras más recientes figuran “Bingo” (2007), “Prefiero ser mujer” (2006) y “Confesiones de una editora poco mentirosa” (2005). Testigo de excepción y protagonista activa de un mundo en el que la ley de la oferta y la demanda llegaba a sustituir los valores estrictamente literarios, Esther Tusquets practicó siempre el humor, la vivacidad, el aprecio por los libros y la literatura. En su amplia trayectoria editorial contribuyó a forjar el camino profesional de autores como Miguel Delibes, Ana María Matute, Pablo Neruda, Carlos Barral, Anna María Moix, Cristina Peri Rossi y Carmen Martín Gaite, entre otros.

María Hergueta (Valencia, 1984) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. También estudió en la Escuela Massana de Arte e Ilustración, y en las facultades de Bellas Artes de Brera (Italia) y Barcelona, ciudad en la que actualmente reside y trabaja.

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…Os coellos brancos andaban sempre moi ergueitos e miraban de fronte cara adiante e , pola contra, os coellos negros andaban coa cabeza gacha mirando cara ao chan. Esa era a razón pola que os coellos brancos e os coellos negros nunca cruzaban as súas miradas…

Marcela é unha coelliña distinta aos demais habitantes da súa comunidade. Non só polo seu ollo birollo, que lle tapan cuns anteollos afumados, senón porque non se adapta ás normas establecidas e por iso un día escapa. O seu seguinte destino é un poboado de coellos negros e brancos que funciona ao revés do seu lugar de procedencia. Mais no fondo, “todo era o mesmo: uns bebían a auga limpa e os outros a auga sucia, uns comían a herba fresca, e outros a herba seca, uns pisaban e os outros eran pisados”, reflexiona Marcela con amargura.

“A coelliña Marcela” é unha fábula escrita en 1979 que aborda cuestións como a educación en igualdade, o respecto polas diferenzas, a tolerancia e a convivencia entre culturas, razas e crenzas. A súa protagonista é rebelde, ousada e nada convencional; rexeita as inxustizas e procura a felicidade, fiel aos seus ideais.

Esther Tusquets (Barcelona, 1936) foi alumna do Colexio Alemán e posteriormente estudou Filosofía e Letras nas Universidades de Barcelona e de Madrid. Durante varios anos foi profesora de Literatura e Historia na Academia Carillo. Na década dos 60 fundou a editorial Lumen, da que foi directora durante 25 anos. En 1978 publicou a súa primeira novela, “El mismo mar de todos los veranos”, a primeira dunha triloxía á que lle seguiu en 1979 “El amor es un juego solitario”, coa que gañou o Premio Cidade de Barcelona, e concluiu ao ano seguinte con “Varada tras el último naufragio”. Tamén é autora de contos infantís e libros de relatos. Entre as súas obras máis recentes figuran “Bingo” (2007), “Prefiero ser mujer” (2006) e “Confesiones de una editora poco mentirosa” (2005). Testemuña de excepción e protagonista activa dun mundo no que a lei da oferta e da demanda chegaba a sustituir os valores estrictamente literarios, Esther Tusquets practicou sempre o humor, a vivacidade, o aprezo polos libros e a literatura. Na súa ampla traxectoria editorial contribuiu a forxar o camiño profesional de autores como Miguel Delibes, Ana María Matute, Pablo Neruda, Carlos Barral, Anna María Moix, Cristina Peri Rossi e Carmen Martín Gaite, entre outros.

María Hergueta (Valencia, 1984) é licenciada en Belas Artes pola Universidade de Salamanca. Tamén estudou na Escola Massana de Arte e Ilustración, e nas facultades de Belas Artes de Brera (Italia) e de Barcelona, cidade na que actualmente reside e traballa.