A poeta Lucía Novas presentou no seu Bueu natal o seu novo poemario, Cervatos, publicado na colección Tambo de Faktoría K. Na Sala Amalia Domínguez Búa estivo acompañada polo profesor e crítico literario Ramón Nicolás, e polo director da colección Tambo, Luis Rei Núñez. O gusto polas atmosferas kitsch, a beleza do efémero e a riqueza de obxectos superfluos marcan o estilo desta obra, que bebe das fontes do videoclip e do cinema, da música e da cultura audiovisual contemporánea.

A diferenza dos dez títulos de Tambo precedentes, os poemas de Cervatos teñen un carácter fragmentario, están elaborados a base dun atrevido colaxe de palabras enxertadas con tino, sensibilidade e lirismo. A autora amosa un mundo urbano, nocturno e inhóspito; mais tamén recolle o pouso e a autenticidade do mundo rural. Trátase, en conxunto, dunha poética híbrida entre memoria e cosmopolitismo, que aposta pola mestizaxe entre o popular e o vangardismo. Tampouco elude a crítica á posmodernidade, ao carácter fuxidío e fugaz dunha realidade na que se identifica os individuos como fráxiles cervatos expostos ao teimudo, fascinante e implacable paso do tempo.

 

Licenciada en Filoloxía Galega pola Universidade de Vigo, Lucía Novas é docente nun instituto de Pontevedra. Da súa faceta literaria, destaca como autora dos libros Epiderme de estío (2001, Premio de Poesía do Concello de Carral), e Neve (2010, Premio de Poesía Johán Carballeira). Tamén participou nas antoloxías Das sonorosas cordas (2005), Poetízate: antoloxía da poesía galega (2006), Erato: bajo la piel del deseo (2010) ou Novas de poesía: 17 poetas (2014). Ademais, ten colaborado en publicacións como Grial, Dorna, PolpA, Casa da Gramática ou Escrita Contemporánea. Os premios Minerva, Universidade de Vigo e Faustino Rey Romero completan polo momento os recoñecementos que ten colleitado como escritora.

“Cervatos” súmase aos poemarios dos galegos Manuel Álvarez Torneiro -Premio Nacional de Poesía 2013-, Xavier Seoane, Martín Veiga, Luís Rei Núñez e Cesáreo Sánchez Iglesias que viron a luz en Tambo, xunto coa obra do catalán Antoni Marí e do vasco Joseba Sarrionandia, entre outros autores.

Ξ      Ξ      Ξ      Ξ

Trala introdución de Luis Rei Núñez, Ramón Nicolás foi quen trazou o perfil literario da autora e as claves líricas de Cervatos. A súa achega serviu para informar e emocionar, revelando a lectura desta obra como unha oportunidade certeira para o deleite e a reflexión.

Polo xeral adóitase, nunha presentación, falar do libro que nos xunta e, se cadra, non tanto do autor ou autora. Ídesme permitir que, nunha primeira instancia, fale da autora, de Lucía Novas para o que, ademais, e aínda correndo o risco de ser un chisco inoportuno, tamén vos fale de min porque actuamos, escribimos cos “fíos da vida”, como dicía o noso querido Agustín Fernández Paz, invisibles pero tantas veces perennes e sempre resistentes na memoria.

   Hai algúns anos unha antiga profesora, que o foi de moitas persoas que andamos por aquí, Camiño Noia, telefonoume inesperadamente por se quería substituír durante un tempo na Facultade de Filoloxía de Vigo ao profesor Gonzalo Navaza, que se recuperaba devagar dun grave accidente. Sen pensalo como debería dixen que si e compatibilicei, ao longo dun ano e medio máis ou menos, o exercicio da docencia no instituto no que traballaba e traballo aínda hoxe, e algunhas materias que me correspondían para alumnado de primeiro de Filoloxía Galega da Universidade de Vigo.

   Lembro aquela experiencia como esgotadora física e intelectualmente, pero gozosa, talvez das máis gozosas que a práctica do ensino me brindou ata hoxe. Gozosa, en esencia, porque me posibilitou, sobre outras moitas cousas, coñecer e compartir, xa non só algúns coñecementos e actividades relativas, por exemplo, á nosa literatura contemporánea, que talvez aprendín a ver desde outra perspectiva e que sigo valorando, sen dúbida nun posicionamento chauvista, como a mellor do mundo, porque é nosa e nos define no mundo. Dicía que foi unha experiencia que mesmo me formou porque me resultou operativa para confirmar como un grupo de persoas moi novas querían formarse, e diría que con entusiasmo, nos camiños da filoloxía e, máis concretamente, nos camiños da filoloxía galega. Daquel grupo, moi numeroso, tanto que nuns primeiros momentos me asustaba, conservo na memoria, talvez polo seu interese, pola vontade de sempre saber máis, pola colaboración que me prestaron e  por unha actitude aberta e sempre xenerosa, a algunhas persoas como -e desculparanme outras que agora mesmo esquezo- como Iago Castro, Laura Montes, María Besteiros, Iria Collazo e, loxicamente, Lucía Novas.

   Pasou o tempo, eu volvín ao ensino medio onde felizmente sigo e fun observando como estas persoas, e outras moitas, foron converténdose en magníficos profesionais docentes e, nalgún caso, desenvolvendo con mérito labores noutros ámbitos que teñen que ver co mundo da edición ou da investigación. Ademais, algunhas daquelas persoas comezaban a dar os seus primeiros pasos no traballo literario creativo en lingua galega, o que sempre produce -e descúlpenme de novo- esa confesable, porque estamos entre amigas e amigos, pequena satisfacción como docente que produce o feito de constatar como persoas das que con seguridade aprendín eu máis delas ca elas comigo se incorporan, con paso firme e talento, ao mundo da creación literaria en lingua galega…, probablemente haxa poucas cousas, para min, máis fermosas.

   Ou, se cadra pode habelas,  cando neste mesmo lugar, hai algún tempo, dúas daquelas persoas ás que citei, concretamente Iria Collazo e Lucía Novas, realizan unha disección, garimosa e fantástica e que aínda conservo na memoria, sobre unha novela que aquel seu profesor publicara tamén con certa inconsciencia. E hoxe tócame, claro é, vivir outra desas experiencias que moitas persoas non gozan da posibilidade de vivir, isto é, dicir unhas palabras sobre un libro daquela Lucía Novas, hoxe convertida nunha poeta salientable que camiña, desde hai anos xa, con pasos firmes no ámbito da poesía contemporánea.

   Lucía é probable, estou convencido, que xa escribía naqueles anos compartidos en Marcosende pero, como sabedes, é unha voz galardoada en numerosos concursos literarios e, presenta, ata o de hoxe, unha obra poética singular e senlleira conformada por tres volumes como son Epiderme de estío (2001), Neve (2010) e Cervatos, que aquí nos xunta. Lucía é unha autora, como podedes advertir no que se refire ao espazo temporal que van marcando as datas de publicación dos seus libros, que coce a súa obra a lume manso e iso, para min, resulta, malia que non teña que sempre ser así, unha verdadeira garantía pois entende o coidado preciso que esixe a construción dunha obra que ha de ser meditada, elaborada e reelaborada, dona dun ritmo pousado e pousada na súa produción. Non hai présas por publicar, e isto define a Lucía, non teño dúbida.     Non vou falar aquí das súas obras anteriores mais si me gustaría citar unhas palabras  de Lucía a través das cales nos confesa a súa propia poética:

É a poesía para min a necesidade máis íntima, a substancia da vida, o alimento marabilloso, o pan máis exquisito, ave do Paraíso, pracer delicioso, catarse senlleira, viaxes inauditas, círculos purificadores, pomadas reconfortantes…

Imos enchoupándonos de vida e chega un intre en que reside en nós demasiada xiria: a experiencia vai pasando por unha peneira, criba senlleira, e elabóranse versos e palabras, sensacións de fulgor, raiolas lenísimas, metáforas do cotián e da marabilla… (calidoscopio fantástico, transparencia de vidros). O interior é sala luminosa cunha colección de espellos…

    Estas palabras axúdannos, creo eu, a entender tamén Cervatos, inserido nesa poética que, aventuro, a autora segue a abrazar. Poesía,  pois, é para Lucía “substancia da vida”, catarse, purificación, vida en definitiva. Mais tamén chamo a atención, se me permitides, sobre esa afirmación de que “a experiencia vai pasando por unha peneira”. Talvez poida radicar unha posible lectura  deste Cervatos, que é un libro de vida, un libro no que se olla a vida, un libro que bebe da experiencia sensorial e vital, un libro no que a vida se peneira para iluminarnos e, ademais, faino inserido, por fortuna, nunha colección poética onde o tratamento da palabra, do discurso poético e sobre todo dos silencios atopa un acubillo perfecto porque nel se espella ese diálogo sempre necesario entre a voz e o silencio, o branco, un branco limpísimo e brillante, tanto como a neve, e tantas veces tan elocuente.

   Cervatos, así pois, comenteino nun texto que publiquei hai algúns días, opta por depurar o sentido do poema, o sentido do verso, o propio sentido da palabra. O emprego, recorrente, reiterado e consciente das enumeracións léxicas e a vontade explícita de focalizar a atención na dimensión semántica e simbólica da palabra eríxese neste libro como un proceso intenso, extenuante, talvez mesmo, doloroso e quen sabe se purificador que, sen dúbida, cómpre vincular coa dinámica rápida dos frames do mundo audiovisual, das películas, das cancións… Porque tamén neste libro hai moita música, música evocada que todas e todos podemos ter na nosa mente, mais tamén unha construción que, por veces, parece agromar dunha inspiración musical determinada, sempre heteróxena, ordenada desde a instancia autorial.

   Gústame dicir que as fronteiras da linguaxe nestes poemas, como se di da poesía da poeta María Mariño, se dinamitan, estoupan e suxiren un camiño de interpretación, unha re-codificación impresiva e libérrima, probablemente única e distinta na recepción de cada unha das persoas que se acheguen a eles.

   En Cervatos, claro é, hai un símbolo, que non é o dos cervos, é o dos cervatos, mais que podemos vincular tamén coa poesía e a música: a cría do cervo, fráxil e fermosa, loxicamente dependente da nai e da manda, é un ser un tanto desvalido e, talvez, inocente, mais tamén claramente gregario o que nos fai pensar na voz da tribo, aquí presente sempre. O cervato, así pois, preséntase como o referente que sostén un contraste continuo porque desde o bosque, onde  vive alleo ao paso do tempo e abeirado a unha contorna protectora, a súa presenza sométese agora a unha ollada híbrida na que se desvela ese diálogo cun entorno de asfalto, coa atmosfera máis kitsch e cun son no que reverbera unha crítica á postmodernidade pero á que non se lle dá as costas reutilizando os seus referentes, tantas veces esmaltados cun verniz de ironía, que é un dos elementos máis salientables desta proposta. É un libro plural, heteroxéno, rupturista, fala da memoria, si, tamén do amor, mesmo do amor desde as marxes e a turbulencia dos nosos días. Un libro de contrastes, entre o urbano e o rural cando todo se mestura, de contrastes no uso de rexistros diferentes, de diálogo e diálogos, de obsesións talvez convertidas en elementos clave -velaí o reiterado espiño albar, a neve, os xeranios, os fentos, os tulipáns, as chaquetas de la, o purpúreo, o lobo cerval, o azul índigo, os amorodos… por citar só algunhas referencias recorrentes.

   Volvo aos cervos porque Lucía é filóloga e só dunha filóloga se poden atopar, probablemente, palabras como liscanzo, pelicano, buguina…, talvez unha filólogo con oído marabilloso presto a captar a eufonía pode rematar con ese marabilloso Nightingale da conclusión: Pero Meogo, inevitable non citalo ao falar deste libro, modernizou un xénero como o das cantigas de amigo ao introducir un símbolo como era o do cervo e talvez non sexa esaxerado que estes Cervatos volven modernizar o discurso lírico contemporáneo –non hai leixaprén non, pero non aseguraría eu que o recurso ao paralelismo, ás reiteracións non beban dunha fonte común e renovada transformada agora en imaxes que van e veñen, que van e veñen, que van e veñen. Talvez, con todo, todo isto non se ha ver ata dentro dun determinado tempo, pero alén da referencia literaria gustoume moito o deseño da cuberta que fai pensar máis ca en Pero Meogo, Joan Meendiz de Briteiros ou o xudeu de Elvas -que tamén o usaron como símbolos, aínda tamén pois hai sen dúbida erotismo nestas páxinas e gústame ver os cervatos remexendo aquí non nas augas senón nas conciencias; fai pensar Cervatos -dicía- nas pinturas rupestres cuxa reprodución, nalgunhas culturas, está asociada ao espírito e ao corpo, ao misticismo e á beleza, á forza da luz entre as tebras a un corpo que se rexenera polo marabilloso que supón o nacemento dos brotes nos seus cornos. Cos conceptos de renovación e rexeneración, aínda que poida en primeira instancia parecer hiperbólico, querería quedar. Veremos se o tempo me dá ou quita a razón, veremos mesmo se deste libro se dan tamén, no futuro, brotes ou agromos.

   E todo isto mercé o recurso da colaxe e do fragmentarismo; grazas á imaxe visionaria porque a idea case sempre é imaxe; xogando coa percepción libérrima, como apuntei, que obtemos ao ler ou oír as enumeracións, entre as que están tamén as deses espazos e lugares verdadeiros que aquí se nomean: certos porque non están en mapa ningún, mais si na memoria da voz que nos guía. Cervatos, dalgún xeito, supón unha invitación para habitar outros espazos, algúns percorridos por voces moi diversas entre as que atopo a de Lois Pereiro por só citar unha, desde outra perspectiva, como se di no libro rouba a transparencia e interpélanos desde a transgresión, desde a cerna da subversión, desde a vontade, iso é colleita miña, de matar dunha vez por todas a Bambi, a esa imaxe descafeinada e docificada, dunha vez, dese Bambi que Walt Disney ocultou e manipulou moitas pasaxes do libro orixinal do autor austríaco Felix Salten, esa versión que tanto dano fixo e estou certo que fai.

   Cervatos, cando menos a min, fai pensar que todos somos, no fondo, seres fráxiles, gregarios. Convida á reflexión, repara en obxectos e atmosferas particulares para reivindicar o pensamento pois semella que hai cervatos que nunca medran, que quedan nun estadio de eterna infancia e mocidade que lles impide dar co necesario espírito crítico para se enfrontar coa propia vida, polo que parece que nunca paso o tempo instalados nese non-lugar que é a adolecencia, pero que si pasa, porque tamén neste libro se fala do paso do tempo: un ubi sunt?, no fondo, orixinalmente e brillantemente tratado.

   Conclúo: Lucía díxome un día que o paxaro que prefería era o cuco, non se me ocorre outra forma para pechar esta intervención que estes versos do cantigueiro popular: Canta cuco, canta cuco,/ na rabiza do arado;/ canta cuco, canta cuco,/ que o tempo vaiche acabado.  O meu acabou e agardo que vos fose grato, tanto como supuxo vir a min aquí hoxe e arroupar aos Cervatos que nos xuntan. Grazas, Lucía, e que sigamos léndote moitos anos.

 

 

 


"Agni y la lluvia", de Dora Sales y Enrique Flores (Kalandraka)

Agni y la lluvia”, un texto de Dora Sales ilustrado por Enrique Flores, es la historia de un niño de diez años que vive en Bombay y trabaja en un lavadero. Mientras frota y refrota sin parar, Agni sueña que algún día cambiará su suerte. Su sueño es el de los más de 250 millones de niños y niñas que madrugan cada día, no para ir a la escuela o jugar, sino para trabajar, forzados por las redes de explotación y esclavitud infantil o de forma «voluntaria» para ayudar a sus familias, sumidas en la pobreza.

La Librería Babel de Castellón fue el escenario de su presentación con la autora, arropada por el director de KALANDRAKA, Xosé Ballesteros, y la profesora Rosalía Torrent, que imparte clases de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Jaume I. Compartimos a continuación su particular ‘lectura’ de este relato melancólico y a la vez luminoso sobre el valor de los sentimientos, la esperanza y la voluntad de salir adelante.

Presentación de "Agni y la lluvia" en Librería Babel, Castellón

Rosalía Torrent en la presentación de "Agni y la lluvia"

 

Hace tres meses estábamos presentando, en este mismo lugar, un libro de Dora Sales: “Y oyes cómo llora el viento”. En él se trataba la historia de un niño sin nombre, un niño hijo de la violencia, cuya vida (y cuya muerte) nos dejó sin aliento.

El nuevo libro que nos presenta Dora también tiene por protagonista a un niño pero, esta vez, el niño tiene nombre: Agni. Y la dureza de su entorno en un barrio del margen de Bombay no ha podido con él ni con su familia. No ha podido con su sonrisa.

Yo he intentado leerlo con los ojos de quienes van a ser sus principales lectores, los niños y niñas. Seguramente es imposible pero, constantemente, me preguntaba qué ideas extraerían de un libro como este los niños que no conocen ni de lejos situaciones como las que aquí se viven. Me gustaría hablar con ellos, ver cómo lo han vivido. Sus respuestas darían sentido a nuestras constantes preguntas.

Decía antes que, esta vez sí, tenemos un nombre para el protagonista, Agni, que como Dora explica quiere decir «fuego». Dora nos va señalando el significado de buena parte de los nombres propios que aparecen en el libro; nombres que no siempre acompañan a la personalidad de sus portadores (recuerdo aquí el nombre de Abhay, su mejor amigo, cuyo significado, «audaz», poco tiene que ver con el carácter del niño): «Agni siempre ha pensado que los padres de Abhay son muy bromistas, pues Abhay es de todo menos audaz (…) A veces Agni tiene la sensación de ser más abhay que Abhay» .

Pero con los nombres Dora nos ayuda a situarnos en la historia de sus portadores. Éste es uno de los primeros aciertos del libro: dar identidad a un grupo de personas que a veces se autodefinen como invisibles. «Invisibles como los pobres», se nos dice en algún momento del libro.

Esta frase se enmarca en un episodio concreto en el que Agni, que ha viajado con el dedo por un mapamundi que cuelga de la pared de su casa y que le regaló su hermano, descubre que, además de los nombres que figuran en el mapa -Tombuctú, Samarcanda, Machu Picchu, Estambul, Sicilia o Sevilla- hay otros muchos que no figuran en él. Esos son los que él tiene que descubrir: «Cómo le gustaría viajar a lugares que no están escritos en el mapa. Invisibles como los pobres, “Sí, esos son los sitios a los que tendría que ir, piensa a menudo”».

El mapa, por cierto, es un regalo cogido de un cubo de la basura y que, sin embargo, ha sido el mejor regalo que ha tenido nunca Agni, tras los besos de su padre y de su madre. Porque el hermano de Agni y el propio Agni, son pobres, decididamente pobres. El mismo niño trabaja en una jornada que se extiende desde las 7 de la mañana hasta las 6 de la tarde, sábados incluidos. Pero no pierde la esperanza, no pierde la sonrisa.

Y no la pierde porque piensa que algún día podrá viajar.

Y piensa, sobre todo, que algún día, podrá ir a la escuela: «Siente que las cosas, en algún momento, pueden llegar. De forma pausada y tranquila, como el día que sigue a la noche, como el minuto que comienza tras el minuto anterior. O de pronto, como la lluvia en Bombay. ¿Quién sabe? Quizás algún día él también consiga ir a la escuela. Sí, algún día».

Un libro, además de los posibles mensajes que, como en este caso, pueda contener, tiene que atraparte, contarte una historia, y la de Agni se desarrolla a través de un argumento que te va haciendo entrar en esa historia e interesarte por el futuro del niño, de su familia y de sus amigos.

La narración (así lo interpreto), aparece dividida en tres momentos o apartados:

En el primero se nos presenta a Agni, a su familia y a su día a día. Esta es la parte que denominaríamos más «social», en el sentido en que, al presentarnos a los personajes, se denuncia el injusto sistema social que los envuelve. En el segundo, la historia se va envolviendo en un cierto misterio, que él comparte con Abhay, su mejor amigo. La tercera es el desenlace; un desenlace rápido, de una esperanza nostálgica.

No voy a contar el argumento, que cada cual debe descubrir, pero sí los valores que aparecen en ella. En la primera parte, sobre todo.

La solidaridad que tienen entre sí los pobres:

El padre trabaja como lavacoches en las concurridas calles de Bombay. Cuando se acaba la jornada todos reparten lo que han conseguido, puesto que: «Solo es cuestión de suerte que unos consigan limpiar más coches que otros, o que reciban más o menos monedas». Tengo que reconocer que la lectura de este pasaje ha cambiado mi visión de las personas que ejercen esta profesión. Nosotros pasamos por su lado intentando no mirarlos; a veces nos enfadamos de la invasión de nuestros cristales. Pero seguramente la mayoría de ellos son gente como Apu, que significa «virtuoso», el padre de Agni. Su madre se llama Aparna, «sin hojas, quien no tiene que comer». Es explícito.

El segundo valor es la tolerancia (mejor podríamos decir amor humano) hacia personas de otras religiones:

Su madre, con lógica aplastante, hablando de la convivencia entre musulmanes e hindúes, nos dice: «Cada cual cree de una manera, pero todos tenemos hambre, sed, sueño, todos somos gente». Eso dice su madre, y lo mismo piensa Agni. Su padre y su madre contagian al niño su bondad y sensatez. Corroboran lo fundamental que es nuestro entorno para nuestro desarrollo. El niño sin nombre del primer libro de Dora no gozó de este privilegio.

Un tercer mensaje sería el de la igualdad de género:

Porque en la sociedad que el libro retrata, los papeles de hombres y mujeres siguen estando estratificados, como en el resto de países del mundo, pero hay maravillosas personas que dan oportunidad de futuro a las mujeres. Y que se alegran con su suerte, aunque a ellos no les toque.

Y junto a estos mensajes, el del amor: toda clase de amor, y también el de pareja, que la autora resuelve con un símil que esta vez sí voy a desvelar. Porque me resultó muy tierna la sensación que el niño experimenta cuando, en el cine, asiste a la proyección de ‘La Dama y el vagabundo’ de Disney y ve cómo los perrillos, tras comerse un spaghetti, unen sus morritos. En ese momento, él piensa en una niña que un día quedó prendada de unas zapatillas verdes; zapatillas que a él le gustaría poseer por si ella, así, también le mirara.

Todo ello regado con un lenguaje muy poético y con unas reflexiones del niño que incluso a veces nos hacen sonreír, como cuando Agni habla de la importancia de su familia. Todos ellos se dedican a funciones de limpieza: él en un taller de lavar ropa, su padre limpiando coches, su madre limpiando casas. ¿Cómo iba a vivir Bombay sin gente como ellos? Son los necesarios. Invisibles pero imprescindibles.

A la par, Agni es capaz de divertirse con muchas cosas, como con el sonido de las palabras, esas palabas unidas a cosas que ni siquiera ha visto. Sabe, por ejemplo, que en casa de la señora a la que su madre va a limpiar comen algo que se llama gambas, ¡que divertido! «“gam-ba”, suena alegre…»

En la segunda parte, una vez presentados los personajes y su historia, hay una trama que no podríamos llamar detectivesca, pero casi. En ella se produce un pequeño misterio que solo al final se resuelve.

El desenlace es rápido y en él llama especialmente la atención una cosa: el amor sin fisuras del niño hacia su hermana, quien, con su hermano mayor, otro personaje mágico, cierra el cómputo de la familia.

Este libro está ilustrado por Enrique Flores, que ha sabido entender tan bien el contexto, con esa portada de un niño casi invisible, como a veces se consideran los pobres. Está editado por Kalandraka, una editorial necesaria, y se lanza a la vez en castellano, catalán y gallego.

Gracias a la editorial, a Enrique Flores y por supuesto a Dora, aunque esta intervención tiene que ser cerrada por los sentimientos del mismo Agni, que, como nos dice Dora, sabe ganarle: «terreno a la melancolía a fuerza de soñar. Porque él no olvida ese primer gesto de libertad que consiste en imaginarse libre. Eso es algo que nada ni nadie puede quitarle. Es algo que ningún dinero puede comprar. Agni sigue adelante, mirando al cielo o al mar, donde siempre parece haber más espacio, donde todo parece respirar».

Rosalía Torrent

Xosé Ballesteros, Dora Sales y Rosalía Torrent en la presentación de "Agni y la lluvia"


Laura Forchetti junto a la higuera de la casa de Miguel Hernández.

Las chicharras abren la noche

caramelos desenvueltos

papelitos

anoto mi secreto

la lechuza pestañea en el cable…

En esta noche de San Juan, la noche más mágica del año, nos envolvemos de oscuridad y misterio con los versos de “Donde nace la noche“, la obra por la que Laura Forchetti recibió el VII Premio Internacional Ciudad de Orihuela de Poesía para Niños; un poemario ilustrado por María Elina Méndez.

“Donde nace la noche” nos transporta a la costa sur bonaerense, a la llanura pampeana, o a cualquier lugar bajo un hermoso cielo estrellado, abierto a la contemplación de la luna y las constelaciones.

La autora trajo un pedazo de ese maravilloso cielo austral cuando viajó a Orihuela para recoger el galardón y visitar a los escolares de la ciudad natal de Miguel Hernández. Al desplegar su Pequeño Universo Portátil brillaron con fuerza ‘las tres Marías’ que habitan en el lejano cinturón de Orión…

Laura Forchetti y el Pequeño Universo Portátil.

Este primer poemario infantil de Laura Forchetti -galardonado con el VII Premio Internacional Ciudad de Orihuela- desprende lirismo y sensibilidad. Es un canto a la naturaleza, con Emily Dickinson como fuente de inspiración, por su talento para captar el alma de los seres vivos y de la materia inerte que nos rodea.    

El ritmo de estas composiciones combina el verso libre y la asonancia, haciendo de la lectura una experiencia de sosiego y serenidad. Sus personajes dialogan entre sí y comparten sus pensamientos, que llegan al público en forma de intensas metáforas visuales, mientras la oscuridad va cediendo espacio a la luz de la mañana; una luz que viaja cíclicamente y nos permite percibir una visión global del mundo y del cosmos.

Las ilustraciones de María Elina Méndez destacan por su sencillez, con el lápiz como principal herramienta expresiva. Sutiles y delicadas en el uso del color, son imágenes de tono bucólico, que otorgan protagonismo al medio natural y completan la vivencia sensorial a la que invitan los poemas, en su tránsito de la noche al día, de las sombras a la claridad.

Laura Forchetti recibe el VII Premio Ciudad de Orihuela.

Acto de entrega del VII Premio Internacional Ciudad de Orihuela de Poesía para Niños, con la concejal de Educación, Rosa Martínez, el alcalde de Orihuela, Monserrate Guillén, y el director de KALANDRAKA, Xosé Ballesteros.

Laura Forchetti recibe el VII Premio Ciudad de Orihuela.

Intervención de Laura Forchetti en el acto de entrega del VII Premio Internacional Ciudad de Orihuela de Poesía para Niños:

Dice Rainer María Rilke:

Para escribir un solo verso, es necesario haber visto muchas ciudades, hombres y cosas; hace falta conocer a los animales, hay que sentir cómo vuelan los pájaros y saber qué movimiento hacen las flores al abrirse por la mañana. Es necesario poder pensar…en días de infancia cuyo misterio no está aclarado aún;…en mañanas al borde del mar, en la mar misma, en mares, en noches de viaje que volaban muy alto y temblaban con todas las estrellas…

Es necesario tener recuerdos –añade, y también: Es necesario saber olvidarlos cuando son muchos, y hay que tener la paciencia de esperar que se vuelvan…que se conviertan en nosotros, sangre, mirada, gesto…hasta entonces no puede suceder que en una hora muy rara, del centro de ellos, se eleve la primera palabra de un verso.

Un plan bello y estricto para la poesía, para el primer verso, nos propone RIlke. Disponerse a esa exigencia, a la humilde espera, al trabajo paciente. Aprendizaje de poetas siempre incompleto, siempre inacabado, siempre empezando otra vez.

Viaje a lo desconocido para encontrar lo nuevo –como quería Baudelaire.

Donde nace la noche –sus versos breves, llenos de preguntas y asombro- nació de esa búsqueda, a partir de la contemplación y del amor.

 

La primera imagen fue el cometa.

Era enero, estaba en mi pueblo, al sur de la llanura pampeana. El cometa había aparecido primero en las noticias de la televisión y luego en el cielo. Aprendimos a buscarlo y encontrarlo.

Estuvo varios días colgado al oeste del patio de casa.

Si caminábamos un poco más allá, hasta la última calle, línea que separa pueblo y campo, se extendía de arriba abajo, casi hasta tocar el pasto, la tierra seca del verano.

Era una marca de tiza sobre el cielo, como cuando se pasa la tiza de lado sobre el pizarrón, una marca porosa, ancha, deshaciéndose.

Tal vez de ahí vino el primer verso: Se deshizo la cola del cometa.

Una espera ver un cometa de papel de cigarrillos recortado perfecto sobre la cúpula de nuestro mundo, pero no. Era una marca larga, leve, una mancha blanca que cruzaba sobre nuestras cabezas.

Mi pueblo está tan cerca del mar, se extiende la llanura hasta tocar el agua. El mismo horizonte perfecto: mitad tierra y mitad cielo. Nada se interpone, nada corta esa línea curva. Podés ponerte a girar y siempre, cuando abrís los ojos, estás en el centro de la esfera, parada en el centro del mundo.

Por eso, cuando fuimos a la playa buscamos el cometa, al oeste – el mar del que hablo ocupa el sur exacto.

Ahí estaba, cometa colgado sobre el borde del mar.

 

Ahhh! siempre vuelvo a pensar en eso.

¿Cuántos años tengo que esperar su regreso? ¿Cuántas veces en la vida vendrá hasta mi pueblo el cometa?

-Vuélvete paloma, dice un verso de San Juan de la Cruz, un ruego de amor…lo repito, mi ruego de amor al cometa.

 

Recuerdo las noches del cometa, en el campo y en la playa. Íbamos a buscarlo con niñas y niños de la familia, con amigas, con vecinos, nuestro verano del cometa. (McNaught)

 

De esas imágenes nació Donde nace la noche, en el mareo de mirar los pequeños secretos de la oscuridad. –Mirar con los ojos marea- dice el poeta Roberto Juarroz -que atravesó sus años de infancia en mi pueblo- Mirar con los ojos marea.

O la copla que repetía mi maestra Mirta Colangelo:

Mirar la luna es la fiesta

que al alma da más consuelo

¡Y lo poquito que cuesta

alzar los ojos al cielo!

 

De alzar los ojos al cielo nacieron estos poemas y de compartir las excursiones nocturnas con mis hijos, con mi sobrina.

Andar atenta en compañía de niñas y niños enseña a mirar, a recuperar la curiosidad, el asombro y la sabiduría.

Todo se vuelve como recién aparecido sobre el mundo, todo puede ser pregunta y cada pregunta despierta a una filosofía primera, iniciática.

Y la noche es lugar privilegiado. Fascinación y misterio. Atravesarla es siempre una aventura. También para quienes ya somos grandes. Acostumbrados a la luz eléctrica, al permanente resplandor que un poco más cerca o más lejos ofrecen las ciudades, los faroles, las autopistas, casi hemos perdido la noción de la noche; la oscuridad real en la que se cuentan las estrellas, se descubre la senda de la Vía Láctea, las chicharras, el ir y venir de las olas, el brillo de la espuma, el cometa.

Todo lo que habita la noche.

Y también la noche como territorio de lo peligroso. Suspendida la vista, acostumbrados a la iluminación completa, la noche se puede volver espacio de miedo.

Nuestros ojos desacostumbrados a la penumbra, nuestros oídos aturdidos por los sonidos de la civilización – la noche se vuelve un zoom sobre nuestros sentidos, todo se amplía, se intensifica, se abre en mundos habitados por seres de todas las formas. Reino de la imaginación. ¿Cómo no va a haber sirenas en ese mar infinito? Sirenas dispuestas a extender la mano cuando cae una estrella fugaz, un anillito del deseo desde el cielo.

¿Dónde cae? ¿Dónde cae? -La primera pregunta ante la estrella fugaz.

Que se deshace en el aire, que es un meteorito y no una estrella, que lo que cae son restos apagados, piedras grises –restos de la luz- lo sabremos antes o después, pero la pregunta estará siempre volviendo, el juego, la poesía.

Los ojos de la noche ven la estrella, los deseos, la sirena que no duerme.

A ese asombro primero dediqué mi libro, a ese misterio. Y no por desprecio de la verdad y la ciencia, que me parecen tan poéticas y misteriosas como la imaginación más rica. Si no como homenaje a ese primer contacto con las cosas, con el mundo, homenaje a la poesía como forma privilegiada de conocimiento.

Vuelvo a citar a mi coterráneo Roberto Juarroz:


“La poesía es una vía irregular, no ortodoxa del conocimiento, unido en ella a la visión y la imaginación. Es una metafísica instantánea como escribió Bachelard y a la vez, mantiene los ojos abiertos hacia el misterio, condición esencial. Y enriquece o aumenta ese misterio, como si fuera un don o un fundamento”.

 

Juarroz conservó como un tesoro sus años de infancia en mi pueblo, decía:

 

En mi niñez en Dorrego, en aquella niñez en que mi madre me hamacaba en un árbol que todavía está en la estación y que ayer descubrimos que se llama árbol del cielo, nada menos. En mi niñez es como si se hubieran dado por anticipado todas las cosas que después iban a venir, a través de los silencios, los pájaros, los horizontes, el campo, la apertura, todo eso que es el placer en la vida. Es decir que antes de hacer el pan con la harina ya estaba hecho el pan sin la harina.

En la poesía lo sintetizo en un verso que es:

Mi niñez que era pan anterior a la harina…

 

Mi niñez que era pan anterior a la harina –cómo podríamos decir eso sin la poesía, cómo decirlo mejor que con ese verso del poeta.

 

Es a través de la poesía como podemos volver a acercarnos a nuestros ojos de niños, mis ojos de niña. Ahí está el amor: el amor que teje entorno. La infancia propia con sus juegos y sus palabras que vuelve a través de los juegos y las palabras de otras niñas y niños.

Recuerdo una fotografía en el mar –hay muchas- tenía tres o cuatro años, toco el agua, hundo los dedos en la arena, sonrío. A la distancia, todavía me reconozco en esa foto y parece que siempre está repitiéndose.

 

Recuperar eso que Rilke llama el misterio de los días de infancia que aún no está aclarado, que no se aclarará, develará nunca del todo

Volver a descifrar el mundo en clave poética: ardor de la belleza, mirada estupefacta, hallazgo de las palabras mágicas –constelación, lucero, viento norte, golondrinas. Palabras escuchadas, sostenidas con la mano abierta, puestas en la boca como golosinas, pronunciadas como si fuera la primera vez.

¿Cómo se llama? ¿Cómo se dice? ¿Me lo escribís?

 

Develación que en los poemas hacen Violeta y Vittorio atravesando el tiempo desde el atardecer a la mañana. La elección de Violeta y Vittorio como protagonistas de la aventura quiso ser un homenaje a esas primeras amistades de infancia, a ese crecer junto a otro/otra que es nuestro espejo y nuestro revés, territorio de la amistad en donde aprendemos qué cosa es el alma humana.

 

Donde nace la noche es también un deseo y una esperanza, la fe en la poesía como lenguaje capaz de abrir la realidad al infinito, de mostrarnos la pequeñísima huella del escarabajo en la arena o el ojo de Saturno, el miedo que nos obliga a cerrar los ojos y la valentía de esperar mirando el cielo, para no olvidar que somos hijas e hijos de las estrellas, hechos de su misma materia o – como dice vuestro, nuestro querido Miguel Hernández:

 

Para crecer atento

Sólo al silbo del cielo.

 

Y para cerrar estas palabras, lo más importante: decir gracias.

La primera intensa emoción es estar aquí en Orihuela.

La palabra Orihuela –ya que estamos reunidos por la palabra- me lleva hasta mis 11/12 años, me lleva hasta los discos de vinilo que escuchábamos con mi hermana, al amor que nos nació a los poetas que cantaba Joan Manuel Serrat, a Machado, a Hernández, a Lorca que descubrimos entonces también.

Pero mi hermana Perla y yo estábamos enamoradas especialmente de Miguel, de Miguel Hernández. Un amor cargado de ideas románticas en torno a la vida y a la poesía. El niño yuntero, Las nanas de la cebolla, Para la libertad – que aunque no entendíamos del todo sabíamos que era un himno.

Después vinieron los años oscuros en mi país, prohibidas las canciones y las poesías, los libros enterrados para salvarse del fuego. Hubo que esperar que amaine –como se dice en mi tierra, en el campo. Y entonces comprendimos los poemas de Hernández en toda su grandeza y su verdad atravesada por el dolor y la injusticia.

Serrat volvió en el 83 y también volvió Hernández. Nos compramos una antología de Losada, tapa verde, que nos leímos una a otra tantas veces. Pero ahora, era otro el amor al poeta, menos romántico pero mucho más humano, con sus raíces en las palabras libertad, pueblo, futuro.

No abandonamos nunca ese amor a Hernández, por eso cuando me anunciaron el premio la llamé a mi hermana Perla para contarle: es en Orihuela, la tierra de Hernández, ahí! Compartimos esa emoción como un sueño.

Y aquí estoy, por eso ¡Gracias!!

Gracias al Ayuntamiento de Orihuela que cada año rinde homenaje a su poeta animando a otras otros poetas a seguir creyendo en la poesía, y eligiendo a la infancia como destinataria, ojos nuevos manos nuevas para el mundo.

Gracias al Señor Alcalde, Monserrate Guillén; a la Concejalía de Educación -a Rosa Martínez- por su amabilidad y entusiasmo; gracias a Fuensanta Mazón por ocuparse de los detalles con cuidado especial.

Gracias al jurado del premio María Jesús Jabato, Antonio Rubio, Alvaro Giménez, Rosa Martínez otra vez y Xosé Ballesteros, que generosamente destacaron mis poemas.

Gracias a Faktoría K, a todo el equipo: Xosé Ballesteros, Manuela Rodríguez, Silvia Pérez Tato, Paz Castro por el trabajo amoroso y detallista en la edición y el armado del libro. Cada mail que intercambiamos mostraba enorme respeto, cuidado en cada detalle, atención y entusiasmo por el poemario.

Gracias a Belén Sáez y David Lacal que nos recibieron en Madrid.

Gracias también por elegir a María Elina Mendez para ilustrarlo.

Y gracias a María Elina por sus ilustraciones, por darle imagen a los personajes de los poemas, por mostrarnos a Violeta y Vittorio con sus ojos alzados a la noche, sus manos juntando tesoros, sus juegos entre peces y plantas.

Escolares de Orihuela recitaron los poemas de “Donde nace la noche”

 Escolares de Orihuela recitan "Donde nace la noche". Escolares de Orihuela recitan "Donde nace la noche".

Escolares de Orihuela recitan "Donde nace la noche". Escolares de Orihuela recitan "Donde nace la noche".

Escolares de Orihuela recitan "Donde nace la noche". Escolares de Orihuela recitan "Donde nace la noche".

Escolares de Orihuela recitan "Donde nace la noche". Escolares de Orihuela recitan "Donde nace la noche".

Escolares de Orihuela recitan "Donde nace la noche". Escolares de Orihuela recitan "Donde nace la noche".

Escolares de Orihuela recitan "Donde nace la noche". Escolares de Orihuela recitan "Donde nace la noche".

“Donde nace la noche es un tributo a la soledad de aquellos que no son conscientes todavía de que existe tal sensación de naufragio. Los niños asumen la soledad, respiran la ausencia de los recuerdos y de la vida que aún tienen por delante porque su naturaleza así lo impone y esa realidad es un don. Esa ignorancia inexorable invita a Forchetti a construir una atmósfera inquietante, hermosamente recreada en animales y otros elementos de la naturaleza, siempre bajo el auspicio de la noche”.

Manuel García, profesor y escritor, en el blog De lectura obligada.

Laura Forchetti firma ejemplares de "Donde nace la noche".

Laura Forchetti firma ejemplares de "Donde nace la noche".

Con el equipo del Departamento de Educación de Orihuela.

“La noche suele aparecer en los libros para niños como tema recurrente, aunque siempre relacionada con el momento de irse a dormir, un ritual que puede estar ligado al miedo a la oscuridad o al momento especial que siempre supone que un adulto se siente en la cabecera de la cama a leer un cuento. De esta manera, la noche como tal queda sin explorar, porque lo que importa al fin y al cabo es lo que ocurre por las noches, esas pequeñas ceremonias que clausuran el día y la oscuridad que es inherente a ella, aunque generalmente vista desde un punto de vista negativo”.

Juan Senís, profesor y crítico, en el blog Dulce Pepinillo

Visita al CEIP Villar Palasí e inauguración de la biblioteca del centro

Visita al CEIP Villar Palasí de Orihuela.

Visita al CEIP Villar Palasí de Orihuela.

Visita al CEIP Villar Palasí de Orihuela.

Visita al CEIP Villar Palasí de Orihuela.

Inauguración de la Biblioteca del CEIP Villar Palasí de Orihuela.

“Emily Dickinson es una de mis poetas predilectas. Su poesía me resulta cercana, como de una vieja amiga. Sus conversaciones con la naturaleza, su ojo telescópico –para usar una adjetivación que le pertenece- atrapa los misterios y los coloca en los versos como si fueran hechos simples y cotidianos. Acepta ese misterio y lo habita. Nunca deja de preguntarse y de investigar, pero con la conciencia permanente de que la verdad es provisoria y tornasolada”.

Laura Forchetti, entrevistada por Juan Senís en el blog Dulce Pepinillo

Inauguración de la Biblioteca del CEIP Villar Palasí de Orihuela.

Inauguración de la Biblioteca del CEIP Villar Palasí de Orihuela.

Visita al CEIP Jesús María San Isidro

Visita al CEIP Jesús María San Isidro.

Visita al CEIP Jesús María San Isidro.

“Donde nace la noche no es un libro infantil al uso, sino un recorrido poético evocador y sutil, un poemario altamente lírico, sin que ello implique la ausencia de alguno de los rasgos definitorios de la poesía para niños: la narratividad, presente en el diálogo entre Violeta y Vittorio, protagonistas de la obra; o la transparencia de los textos, fáciles de comprender por los lectores menos avezados”.

María Jesús Jabato, escritora, en su página web

Visita al IES Gabriel Miró, con el profesor Álvaro Giménez

Visita al IES Gabriel Miró de Orihuela.

Visita al IES Gabriel Miró de Orihuela.

Visita al IES Gabriel Miró de Orihuela.

“La poesía de Laura Forchetti se remansa, establece un camino que nos conduce a la luna, al mar, a los planetas, a la espuma, a los caracoles y a los escarabajos. Es una poesía que traza el plano de un tesoro: el de la noche. Para conocerlo no hace falta ser pirata, sino persona sensible, que sepa escuchar y observar. Solo así se nos concederá el deseo de ver como teje la araña su tela de rocío, la tela del cometa o el lecho plateado de los peces”.

Anabel Sáiz Ripoll, profesora y crítica, en el blog Voces de las dos orillas

La visita de Laura Forchetti a Orihuela finalizó en el museo de murales al aire libre de San Isidro

 Laura Forchetti en el Museo de murales al aire libre del barrio de San Isidro.

“Muy bonito el texto, salpicado de vocablos del otro lado del Gran Mar, que nos abre caminos bien amplios donde el lenguaje -bajo una misma lengua- se cuela felizmente entre las culturas, pensamientos y emociones de lugares diferentes”.

Ana Nebreda, maestra, en el blog Biblioabrazo


"Cadros dunha exposición", presentación na Fundación Luis Seoane da Coruña.

O escritor José Antonio Abad e o ilustrador Xosé Cobas, autores de “Cadros dunha exposición”, presentarán este libro-disco publicado por KALANDRAKA este xoves día 11 ás 20:00 horas, na Fundación Luis Seoane da Coruña. Canda eles, tamén intervirá o escritor Xabier P. Docampo. Trátase do terceiro título da colección Música Clásica, dedicado ao compositor ruso Modest Mussorgsky.

“Cadros dunha exposición” guía os lectores polo Museo de San Petersburgo, contemplando as pinturas do artista Viktor Hartmann. Durante o percorrido literario e visual, tamén é posible escoitar fragmentos da suite creada por Mussorgsky en memoria do seu amigo, interpretada pola Filarmónica de Nova York baixo a dirección de Giuseppe Sinopoli.

Con motivo desta presentación na Fundación Luis Seoane, o quinteto de metais Hércules Brass -formado por Alejandro Vázquez, Víctor Vilariño, Javier González, Estéban Méndez e Rodrigo Rodríguez- ofrecerá varias composicións deste destacado músico ruso, que pertencera ao grupo Os Cinco.

"Cadros dunha exposición", ilustración de Xosé Cobas.

Fantasía e realidade danse a man no relato de José Antonio Abad, que invita a espertar a curiosidade e a imaxinación. Con trazos delicados e cores suaves, Xosé Cobas acompaña os textos e as melodías con imaxes sutís e elegantes, procurando que os lenzos tomen vida, e facendo da visita ao museo unha experiencia inesquecible para os sentidos. Destacan o coidado detallismo nas representacións arquitectónicas do espazo museístico e os elaborados xogos de luz.

Recreando os cadros orixinais, o ilustrador introduce os lectores na propia dimensión pictórica das obras. Entre lenzo e lenzo, a modo de transición ou paseo, preséntase unha abstracción artística que reflicte o sentimento da música, como unha sinfonía cromática, en liña coa musical. A influencia  do pintor Fernando Zóbel e as referencias ao movemento romántico están presentes na fermosa proposta estética de Cobas.

"Cadros dunha exposición", ilustración de Xosé Cobas.

José Antonio Abad Varela (A Coruña, 1940) é psicólogo, pedagogo e especialista en proxectos educativos. Dirixiu o Departamento de Divulgación da Música na Orquestra Sinfónica de Galicia. Organizou o Programa Municipal Descubrir a música do Concello de A Coruña, os Domingos con música do Museo de Arte Contemporánea Unión Fenosa, e concertos didácticos en varias cidades. É autor dos textos de “As catro estacións” e “O carnaval dos animais“, que precederon este “Cadros dunha exposición”.

Xosé Cobas (Logrosa-Negreira, 1953) comezou a ilustrar na prensa diaria. A finais dos 80 inclinouse pola ilustración de libros infantís e xuvenís, sumando máis dun cento de títulos. Traballa como deseñador gráfico da Deputación da Coruña. A súa obra expúxose en galerías de España, Europa e Latinoamérica. Recibiu os premios Gourmand World Cookbook, Fetén, Díaz Pardo e Neira Vilas, e foi seleccionado na lista The White Ravens.

José Antonio Abad e Xosé Cobas. Programa ZigZag da TVG.

José Antonio Abad e Xosé Cobas. Programa ZigZag da TVG.

* Reportaxe no programa ZigZag da Televisión de Galicia:

http://www.crtvg.es/cultural/corte-a-corte/cadros-dunha-exposicion-a-nova-publicacion-de-kalandraka-viaxa-con-ocazul-ata-san-petesburgo#.VXf7BTCJpYA.facebook

 

 


Mayo en el Espacio Kalandraka de Madrid.

La traductora de “Al otro lado“, Ellen Duthie, acude al ESPACIO KALANDRAKA, en el Barrio de las Letras de Madrid, para departir con los lectores de Maurice Sendak sobre este álbum y sobre la obra del genial autor e ilustrador.

“Al otro lado es una combinación perfecta de dos melodías, una visual y otra sonora, que se entrelazan, sugiriéndonos una abundancia de significados repletos de una ambigüedad casi fastuosa. Es magia y nos resulta a todos -niños y mayores- hipnótico”.
[Ellen Duthie, en el artículo titulado Al otro lado, “Pero no miraba nunca”]

¿Qué valoración hacen los críticos, investigadores y mediadores sobre “Al otro lado”?

Pasar al otro lado, tal como lo propone Sendak, es un movimiento doble para la lectura y para la reflexión. Por un lado, es abandonar prejuicios y dogmas adultos para ponerse en el lugar del niño o de la niña. Por otro, es ir más allá de lo aparente y hurgar en lo que queda oculto, soterrado en los meandros de la sensibilidad, la imaginación y el pensamiento infantil. Es, justamente, lo que caracteriza lo más elevado de la obra de Sendak: lo que hace cuando viaja con Max al lugar Donde viven los monstruos; lo que hace cuando visita con Miguel La cocina de noche. Es lo que hará aquí, cuando acompañe a Aida en su viaje fuera de sí, al otro lado, hacia el lugar adonde ella “no miraba nunca”.
[Germán Machado, en el blog ‘Garabatos y Ringorrangos‘]
“Sendak no renuncia a ser fiel consigo mismo, no busca soluciones fáciles, no es edulcorado ni toma al niño por inútil, al contrario. Sus ilustraciones son espectaculares. Uno no se cansaría nunca de conteplarlas. Se nota la influencia de los pintores románticos alemanes en las mismas. Los vestidos, los detalles, la luz que se advierte, esa especial atmósfera en la que Aida se mueve son piezas fundamentales en el libros. Por otro lado, hay distintos símbolos, el cuerno mágico que Aida siempre toca para entretener a la niña a la  que no mira nunca, el bebé que se convierte en un bebé de hielo, la pérgola, la carta y la voz de su padre, la capa amarilla de su madre, el arroyo, la música, el mar… Al otro lado no es un relato fácil, pero es rotundo y hermoso en su conjunto. Es un relato que merece una lectura atenta y que hará pensar mucho a los adultos y permitirá a los niños sumergirse en un mundo mágico, cercano a los cuentos y a sus propios sentimientos”.
[Anabel Sáiz Ripoll, en el blog ‘Voces de las dos orillas‘]
“Este libro es uno de los que Maurice Sendak consideraba como uno de sus relatos más personales entre los otros que completan la trilogía: “Donde viven los monstruos” y ”La cocina de noche”. Libros que su autor consideró como obras para entender el camino de las emociones de la infancia y entre los que tratará temáticas como el peligro, el miedo, el aburrimiento, la frustración, los celos, la responsabilidad y la valentía, entre otros. Con ello pretendía describir el mundo de los sentimientos infantiles y lograr entender la realidad de sus vidas (…) Sin duda nos encontramos “Al otro lado” como el libro más inquietante, más complejo y sobre todo valiente de Maurice Sendak”.
[Luis Romo, en el blog ‘Soñando cuentos‘]

 

 


[Entrevista con Federico Delicado: desde el minuto 30:00 al 45:00]

Federico Delicado, autor de "Ícaro" (Kalandraka).

Laura Barrachina, directora y conductora del programa “La hora del bocadillo”, de Radio 3, ha entrevistado al ilustrador Federico Delicado, autor de “Ícaro”, la obra ganadora del VII Premio Internacional Compostela de Álbum Ilustrado.

Le presenta explicando que “la libertad, la diferencia y la esperanza” son los conceptos que protagonizan un álbum que califica de “exquisito”. 40 páginas en las que “reina la absoluta seguridad de que lo esperado, lo ansiado, se podrá realizar”, continúa Laura Barrachina: “Lo ansiado es la libertad, lo inevitable es la diferencia”.

Un álbum que invita a volar, pero “volar hacia adentro”, ha señalado Federico Delicado en esta conversación, para “volver a ponernos en contacto con lo que somos o lo que anhelamos, de algún modo”.

“La realidad es gris para mí. Ahí se enfrentan realidad y verdad; porque también la realidad es una construcción fantástica, muy literaria y que se nos presenta como inmutable. ¿Quién la construye? Tiene muchos autores: las ideologías, la historia, las supersticiones, la fe… La realidad es un cuento que solo se puede digerir a través de la fe, no hay más que ver lo que prometen determinadas instancias. Mientras que la otra parte, que en el texto y en la ilustración del libro corresponden al color, es la fantasía de un niño o de un grupo de personajes. En realidad esa es la verdad, porque no se puede hablar ni imaginar lo que se desconoce”.

“Toda la historia se ha colado en mi vida. Lo único que he hecho es prestarle mi atención: las historias pertenecen a todos, aunque recalen durante un tiempo en una persona en particular que les da su tiempo, su esfuerzo y su trabajo. Después vuelven otra vez al espacio común, que es de donde parten. Como decía Agustín García Calvo, el lenguaje es lo más democrático que tenemos, porque nos pertenece a todos”.

“Igual que hablamos de la presencia de Kafka en este álbum, hay una referencia directa a Hopper, un ilustrador que sintetiza genialmente lo figurativo que tiene su obra y un sentimiento poético. También hay un silencio, un alejamiento; una pintura muy nítida, muy limpia, que refleja perfectamente la soledad de la vida cotidiana contemporánea. Casi siempre en sus composiciones hay individuos solitarios, mujeres; y cuando se trata de un grupo, con más de un personaje en la composición, hay como un halo de alienación: este tipo de escenario me estuvo dando vueltas en la cabeza cuando hacía las ilustraciones y es un homenaje, por supuesto”.

“No pienso en un lector determinado. Trabajo para un lector necesario, para un lector despierto, que todavía lo estereotipado no le haya aplastado, y que pueda cuestionarse modelos de vida… ¡y los niños siempre están cuestionado todo!”

Las ilustraciones de “Ícaro” se exponen hasta mediados de febrero en el ESPACIO KALANDRAKA de Madrid. Allí se presentó la obra, con Federico Delicado arropado por el escritor Antonio Ventura y por el director de KALANDRAKA, Xosé Ballesteros.

La exposición se puede visitar de martes a sábado, de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:30 horas.

Xosé Ballesteros, Federico Delicado y Antonio Ventura.

Presentación de "Ícaro" en el Espacio Kalandraka.

Federico Delicado en el Espacio Kalandraka.

Firma de Federico Delicado en el Libro de Visitas del Espacio Kalandraka.

Exposición de Federico Delicado en el Espacio Kalandraka.

Exposición de Federico Delicado en el Espacio Kalandraka.

Exposición de Federico Delicado en el Espacio Kalandraka.

Exposición de Federico Delicado en el Espacio Kalandraka.


[Making of do libro-disco “Non hai berce coma o colo” realizado por Casa de Tolos]

Paulo Nogueira, Merchi Rodríguez e Magoia Bodega.

[Paulo Nogueira, Merchi Rodríguez (Leilía) e Magoia Bodega]

Quince arrolos do folclore galego compoñen o repertorio do libro-disco “Non hai berce coma o colo”, un proxecto dos músicos e mestres Magoia Bodega e Paulo Nogueira que vén de presentarse en formato libro-disco, ilustrado por Mariona Cabassa. Magoia Bodega e Paulo Nogueira acumulan 25 anos de experiencia no eido da música tradicional galega como integrantes de grupos destacados como Treixadura (Premio Galego da Música), artífices de traballos audiovisuais como “O Quiquiriquí” e “Pelo Gato 24”, e produtores musicais de proxectos como “Pan de millo“, de Migallas Teatro. En “Non hai berce coma o colo” plasmaron o resultado dun longo proceso de acopio de nanas de tradición oral procedentes de diversas zonas da nosa xeografía.

-Cando comezastes a fixarvos nestas pezas do patrimonio inmaterial de Galicia?

PN: Levamos máis de 15 anos madurando esta iniciativa. Cando seleccionabamos materiais para os nosos traballos, aparecían moitos cantos de berce que iamos reservando, ata que reunimos un feixe de temas significativo.

MG: Fose o que fose o que estiveramos buscando, dende melodías infantís para o disco “Pelogato24”, ata panxoliñas para “Quiquiriquí”, pasando por temas para o grupo Treixadura, sempre xurdían cantos de berce, cada cal máis bonito.

PN: O complicado foi facer a selección e buscar o equilibro, seguindo un patrón rítmico e melódico.

-Por que era necesaria esta achega á actual oferta musical e que obxectivos guiaron a elaboración desta obra?

PN: Hai un feito que está aí; a cadea de transmisión oral está rota. As avoas xa non lles transmiten ás nais nin aos netos ese repertorio; non existe nas casas, descoñécese. Cómpre buscar novos cauces para que este patrimonio inmaterial continúe e un posible formato son os CD’s, para que a xente con interese teña acceso a estes materiais. O obxectivo é que estas melodías continúen andando o camiño e sigan vibrando na gorxa de moitas nais e pais, cos seus nenos.

MB: O bo que teñen os cantos de berce é que son das poucas músicas funcionais que se aínda conservan, porque teñen unha utilidade. Antano había unha chea de cantos funcionais para acompañar o traballo…

PN: …Hoxe en día un canto de arada, un canto de arrieiro, as fiadas ou unha espadelada xa non teñen un sentido lóxico na nosa sociedade. Pero os cantos de berce si, ou polo menos deberan seguir sendo funcionais. Mini Rivas comentaba que os nenos ben arrolados son doutra maneira… E ten moita carga filosófica esa afirmación, moito trasfondo.

MB: Son cantos funcionais todos os días e en moitos momento, porque é unha música que se repite a cotío e a moitas horas. Por iso estas melodías quédanlles interiorizadas aos nenos e ás nenas; sempre se reproducen en momentos de calma, cando queren durmir. Mesmo son importantes a modo de consolo, cando caen, por exemplo; ese canto é máxico, soségalles moito. Non queremos que se perda esa funcionalidade.

As avoas xa non lles transmiten ás nais nin aos netos ese repertorio; non existe nas casas, descoñécese. Cómpre buscar novos cauces para que este patrimonio inmaterial continúe e un posible formato son os CD’s, para que a xente con interese teña acceso a estes materiais. O obxectivo é que estas melodías continúen andando o camiño e sigan vibrando na gorxa de moitas nais e pais, cos seus nenos.

-Que dificultades existiron no proceso de produción musical, de que forma están recollidas as cantigas que forman parte de “Non hai berce coma o colo”?

PN: Algunhas pezas están recollidas en cancioneiros; outras proceden de arquivos feitos a partir do traballo de recollida de campo de investigadores como Mini e Mero, ou da Asociación Cultural e Folclórica O Fiadeiro. Hai cancioneiros que traen a primera copla coa partitura; outros só ofrecen unha liña melódica e deses poucos compases hai que elaborar o tema completo, buscando coplas e o procurando o equilibrio das temáticas.

Afortunadamente, hai moito traballo feito pero cada vez resulta máis difícil avanzar. As persoas que se dedican á recollida de campo comentan que cada vez son máis as dificultades; aínda hau xente maior que mantén vivo este folclore, pero cada vez menos. É evidente que en 10 ou 20 anos a ruptura da cadea de transmisión vai ser brutal, por unha cuestión xeracional.

Co feito de que haxa arrolos de distintos lugares de procedencia preténdese mostrar a cantidade e variedade de melodías que hai na nosa tradición oral. Os cantos de berce son un xénero que brilla pola súa calidade, son auténticas xoias melódicas do noso repertorio e na tradición musical galega temos a inmensa sorte de que existan moitos.

-Como valorades o resultado desta experiencia?

PN: Cando Magoia e mais eu levamos adiante calquera proxecto intentamos arrouparnos de compañeiros cos que compartimos a mesma visión musical. A aceptación pola súa parte foi rápida porque coincidiron en que a proposta de “Non hai berce coma o colo” era moi necesaria. Nas voces contamos con Sonia Lebedynski e Merchi Rodríguez (Leilía), dúas voces femeninas moi lindas e timbricamente moi contrastadas; na parte vocal masculina, Mini, toda unha referencia no panorama galego. Pancho Álvarez ocupouse das cordas; César Longa (Treixadura) dos pianos; Begoña Riobó, do violín; Segundo Grandío… Magoia e eu tocamos instrumentos melódicos, as percusións e as zanfonas.

MB: Quedamos moi satisfeitos polas intervencións tan marabillosas dos músicos e das voces; as interpretacións son deliciosas.

Co feito de que haxa arrolos de distintos lugares de procedencia preténdese mostrar a cantidade e variedade de melodías que hai na nosa tradición oral. Os cantos de berce son un xénero que brilla pola súa calidade, son auténticas xoias melódicas do noso repertorio e na tradición musical galega temos a inmensa sorte de que existan moitos.

“Non hai berce coma o colo” presentouse publicamente en CulturGal, ante un público eminentemente familiar. No momento de interpretar unha mostra das cantigas, Merchi Rodríguez achegouse aos nenos e nenas que asistían ao encontro:

“Teño dez sobriños e cando lles cantaba notaba ese acercamento, que quedaban mirando como dicindo: que me cantas! Telos preto, canto máis cerca de min, máis forza me dan… Se os nenos e nenas dende cativiños empezan a escoitar estas músicas, seguramente o día de mañá aprecien moito máis saber de onde vén a nosa cultura musical, por iso é importante proporcionarlles unha boa base”.

Presentación de "Non hai berce coma o colo" (Kalandraka).

Presentación de "Non hai berce coma o colo" (Kalandraka).

Presentación de "Non hai berce coma o colo" (Kalandraka).

Presentación de "Non hai berce coma o colo" (Kalandraka).

Presentación de "Non hai berce coma o colo" (Kalandraka).

Con Kiko Fernández Mujico, Carlos Yus e María Campos, de Migallas.

Reportaxe de Carme Vidal en Sermos Galiza.

[Reportaxe de Carme Vidal publicada en Sermos Galiza]

Entrevista de María Varela en Diario de Pontevedra.

[Entrevista de María Varela publicada en Diario de Pontevedra]


Presentación de "Ícaro" en el Espacio Kalandraka.

El ESPACIO KALANDRAKA recibe al ilustrador Federico Delicado con motivo de la presentación de ÍCARO, la obra con la que ha ganado el VII Premio Internacional Compostela de Álbum Ilustrado. Le acompañarán el escritor y editor Antonio Ventura, y el director de Kalandraka, Xosé Ballesteros. Este encuentro servirá también para inaugurar la exposición de las ilustraciones de esta obra, que permanecerá en el ESPACIO KALANDRAKA hasta el 15 de febrero de 2015.

ÍCARO, publicado en todas las lenguas peninsulares, cuenta la historia de un niño que llega a un centro de acogida, donde los asistentes intentan averiguar el paradero de sus padres sin saber que no es un niño abandonado. Se trata de una obra cuyo protagonista nos hace partícipes de otra realidad, ajena a los convencionalismos.

El deseo de libertad, la diferencia y la esperanza están presentes en las páginas de este libro; su mensaje se identifica con quienes van contracorriente, ante la incomprensión del entorno que les rodea, incapaz de ver más allá de lo aparente.

La obra de Federico Delicado transcurre paralelamente en dos planos distintos: por un lado, la realidad y las ciencias físicas o sociales al servicio del establishment; por otro, la fantasía y el arte como medios de expresión. El texto, evocador del mito de Ícaro y de la obra de Kafka, puede leerse en clave metafórica: la voluntad como medio para afrontar situaciones adversas, fabular sobre la propia vida como guión creativo, no tener nunca miedo a volar.

Desde el punto de vista estético, las ilustraciones de Federico Delicado combinan escenas de tonos apagados y otras de vivos colores, con imágenes que recuerdan a Hopper.

Reseña de Cecilia Frías en El Cultural (19 de diciembre de 2014).

Recientemente se ha presentado también en la Biblioteca Pública de Ciudad Real. Ha sido un acto familiar y entrañable, con Federico Delicado arropado por su gente; le han acompañado el ex-director de la Escuela de Artes, Luis Morales, y Belén Sáez, de KALANDRAKA.

Presentación de "Ícaro" en la Biblioteca de Ciudad Real.

Presentación de "Ícaro" en la Biblioteca de Ciudad Real.

Presentación de "Ícaro" en la Biblioteca de Ciudad Real.


Como viene siendo habitual en este mes de diciembre, diversos foros especializados en literatura publican la lista de los títulos más destacados que han ido llegando a las librerías españolas a lo largo del año. Una de las clasificaciones más esperadas y consultadas por el público es la que confecciona el suplemento cultural Babelia, del diario El País, que ha sido elaborada a partir del criterio de 25 expertos en Literatura Infantil y Juvenil. Se ha dado a conocer este sábado y nos alegra saber que algunos de los títulos publicados por KALANDRAKA en 2014 están encabezando esa prestigiosa clasificación.

LOS MEJORES TÍTULOS DE 2014, un artículo de Elisa Silió

Fotogalería MEJORES ÁLBUMES ILUSTRADOS

Fotogalería LOS MEJORES TÍTULOS PARA NUEVOS LECTORES

BIBLIOTECA NO APTA PARA MAYORES, un artículo de Virginia Collera

Lista de LECTURAS RECOMENDADAS

"La cocina de noche", de Maurice Sendak (Kalandraka).

"12 poemas de Federico García Lorca ilustrados por Gabriel Pacheco" (Kalandraka).

"El hombrecito vestido de gris y otros cuentos" (Kalandraka).

Desde KALANDRAKA deseamos transmitir nuestro agradecimiento tanto a especialistas como a lectores que, año tras año, nos otorgan su confianza, permitiendo que podamos seguir publicando Libros para Soñar.

Enhorabuena a los autores, ilustradores y editores que nos acompañan en los destacados de 2014.


[Escuchar a partir del minuto 02:10:00]

En el programa Primer Movimiento, de Radio UNAM, Juana Inés Dehesa y Benito Taibo han entrevistado al director de KALANDRAKA, Xosé Ballesteros, y al responsable de KALANDRAKA MÉXICO y editor de IdeaZapato, José Manuel Mateo.

Programa Primer Movimiento, en Radio UNAM.

“Estamos trabajando para los niños de hoy, que serán los ciudadanos del futuro, y hacemos una apuesta por la calidad literaria y la calidad a nivel plástico. Pero como denominador común de todo lo que hacemos nos basamos en principios muy antiguos, que son los de la Revolución Francesa: son libros que se sustentan en libertad, igualdad y fraternidad. Porque hacer libros para niños no es un juego de niños”.

Programa Primer Movimiento, en Radio UNAM.

“Cada libro es una apuesta. Uno puede hacer libros para niños con la intención de que lo lean los niños, pero la apropiación es una cuestión difícil de predecir. Hay libros que uno tiene considerados como muy buenos, con un valor literario evidente y no funcionan. Es difícil de establecer. La idea es que cada libro vaya encontrando sus lectores; las manos que llevarán esos libros a lo ojos de alguien y se incorporará el valor literario, gráfico y material a la biografía de alguien”.

Programa Primer Movimiento, en Radio UNAM.

En Radio UNAM hemos presentado dos títulos en los que destaca la aportación creativa de autores mexicanos: “12 poemas de Federico García Lorca ilustrados por Gabriel Pacheco” y “Bandada“, de Julia Díaz y David Álvarez.

“Fue el vencedor del Premio Internacional Compostela de Álbumes Ilustrados. Tiene un valor especial porque era su primer libro. Hemos traído estos dos libros porque son de autores mexicanos y refuerza la idea de KALANDRAKA de ser un punto de encuentro entre autores e ilustradores de diferentes lugares geográficos, teniendo en cuenta que ellos son los verdaderos protagonistas de un proyecto común como el nuestro”.

Programa Primer Movimiento, en Radio UNAM.

Como colofón de esta entrevista, las palabras de Benito Taibo:

“Cuanto más crezco más niño quiero ser. Viva el asombro, viva nuestro derecho a la fantasía, vivan los sueños, viva la imaginación. Viva la posibilidad de convertir el libro en este bálsamo para las heridas, en esta tabla para el naufragio, tan necesaria en estos tiempos”.

Programa Primer Movimiento, en Radio UNAM.